Hobsbowm und Ranger schreiben in „The Invention of Tradition“ darüber, wie Traditionen passend zur aktuellen gesellschaftlichen Situation erfunden werden. “That ‘new’ traditions simply resulted from the inability to use or adapt old ones.”[1] Dies passiert, “When a rapid transformation of society weakens or destroys the social pattern for which ‘old’ traditions had been designed” or “when such old traditions and their institutional carriers and promulgators no longer prove sufficiently adaptable and flexible, or are otherwise eliminated: in short, when there are sufficiently large and rapid changes on the demand or the supply side.”[2]
Auf was basiert die Tradition der Sinti und Roma? Wurden ihnen erfundene Traditionen zugeschrieben?
Dr. phil. Ursula Hemetek untersuchte in ihren Forschungen, „die Frage, inwieweit sie selbst und andere ForscherInnen Tradition und Ethnizität der Roma `miterfunden` haben.“[3] Hemetek fokussierte sich dabei vor allem in den Bereich der Musikethnologie. Sie schreibt:
„Wir ForscherInnen haben einen Anteil daran, wie sich Communities musikalisch identifizieren, wir beeinflussen das `Feld` durch unsere Fragen, Aufnahmen und Publikationen und die Frage, ob wir nicht damals gewissermaßen Tradition und Ethnizität der Roma `miterfunden` haben, ist offen. Was ich inzwischen gelernt habe, ist, den individuellen musikalischen Ausdruck als solchen wahrzunehmen und mir nicht kollektive Interpretationen anzumaßen. […] Aber mein Verstehen verbleibt in einem begrenzten Rahmen und ich maße mir nicht mehr an, `die Roma` verstehen zu wollen.“[4]
Das Unwissen der Sinti und Roma wurde ab Mitte des 17. Jahrhunderts mit vielen Vorurteilen ausgeglichen und als Bedrohung deklariert. Klaus-Michael Bogdal analysiert die Geschichte der Sinti und Roma und erkennt dabei immer wieder eine Zerrissenheit von Verachtung und Faszination.
Mitte des 19. Jahrhundert lancierte die „Zigeunerromantik“, die unabhängigen, natürlichen und freiheitlichen[5] Zuschreibungen der Sinti und Roma, die im Gegensatz zu der „bürgerlichen Industriegesellschaft“ stand[6]. Die Beschreibungen waren stets ohne „jegliche Referenz zur Lebenswirklichkeit der Romvölker“.[7] In der Literatur um 1800 werden Sinti und Roma als in der Vergangenheit zurückgeblieben[8] dargestellt oder mit „Krisen, Probleme und Tabus“ in Verbindung gebracht. Die Angst vor dem Wahrsagen und Verschwörungen wurde mit den Roma in Verbindung gebracht. [9]
Ende des 19 Jahrhunderts wurden in geisteswissenschaftlicher Forschung „Verbrechens- und Rassentheorien“ aufgestellt, bei denen die europäischen Roma als „`Asoziale` und `Arbeitsscheue`“ deklariert wurden.[10]
„Das Bild des ›Zigeuners‹ ist schillernd, unscharf und ausdeutbar.“[11] Durch diese Unschärfe entsteht ein „gesellschaftliche Konstrukt, dem ein Grundbestand an Wissen, Bildern, Motiven, Handlungsmustern und Legenden zugrunde liegt, durch die ihnen im Reden über sie kollektive Merkmale erst zugeschrieben werden.“[12]
Aber wenn Tradition an die aktuelle Lage angepasst wird, haben wir ja auch in der Hand was mit der Tradition passiert? Dies bedeutet, wir können dabei helfen die Tradition der Sinti und Roma zu einer Tradition gestalten, die von Vorurteilen befreit ist.
[1] Hobsbawm, Ranger: The Invention of Tradition: S.5.
[2] Hobsbawm, Ranger: The Invention of Tradition: S.4.
[3] Beate Eder-Jordan in Roma und Travellers. Identitäten im Wandel; S.62.
[4] Ursula Hemetek in Roma und Travellers. Identitäten im Wandel; S. 189
[5] Vgl. Klaus-Michael Bogdal: Europa erfindet die Zigeuner. Eine Geschichte von Faszination und Verachtung; S.14.
Design in the context of political events – The Gorilla Collective
A good example of how to put political events in the context of design and art so that they reach a broad audience regardless of background and culture is the Gorilla Collective made up of five Danish designers. They comment on news stories by remixing the visual symbols and icons that surround us.
In 2006, they launched their visual column in the front page of Dutch daily newspaper de Volkskrant, commenting six times a week on current events through persuasive images. They still publish their work in the weekly magazine De Groene Amsterdammer. The power of Gorilla lies in translating complex stories, the chaos of the news, into direct and sometimes iconic visual language. It can be seen as a current affairs column in the form of a picture – if it works, it shifts the perception of reality, and gives an alternative world view. Appearing for over a decade, their work covers a period of global turmoil. They cover various topics, from Islamic State, Donald Trump, Brexit and Climate Change to Credit Crisis and Fake News. The Gorilla columns are a reflection of how quickly our world is changing. At the same time, however, they also show in an alarming way how topical some issues remain.
For the collective, there are only a few rules while doing their visual art. They only use graphic tools and try to avoid cartoon elements like speech bubbles as much as possible. Their only no-no is photography, so that Gorilla is a unique visual commentary on the news. They are playing with cliches to twist an image to create a picture that say it all in one fell swoop. For the Gorilla Collective, cliches are a powerful tool, but you have to rework them to create a new image. A Gorilla always play on a familiar image taken from our collective memory bank. For examples, if you look on topics like America, Aids, EU, oil, environment, angry leaders, refugees or natural disasters, they always try to find the icon that captures the context immediately.
Illustrative examples from the Gorilla Collective
Graphicdesign&
Two other designers, who deal with how graphic design can help mend a political divide are Lucienne Roberts and Rebecca Wright from the Designstudio Graphicdesign& in London. The studio advocates for what graphic design can do and why it matters. Intelligent books, vivid exhibitions and thought-provoking talks and events explore how graphic design connects with the wider world and the value that it brings. Informing, educating, entertaining, provoking – and challenging perceptions about what and who graphic design is for. GraphicDesign& has released several titles to date—books focusing on graphic design in the context of mathematics, health, social science, literature, and religion. With their new book The Other Side: An Emotional Map of Great Britain, they explore graphic design and politics and take on Brexit and the capacity of design for reconciliation.
For the title, 26 Leave and 24 Remain voters cite one loss and one gain from the UK’s 2016 referendum results, as well as their reasons for voting the way they did. The book is double-ended so that neither side is favored—it simply has two beginnings and no end. The intention behind The Other Side is not to change minds, it’s more about the intention to encourage readers to consider the perspectives of those who voted differently from them. At its most radical, the book might even prompt empathy, most often, it reveals the depth of emotions the UK has felt in recent years – the pride, anger, revenge, relief, fear, devastation, and hope—forming a snapshot of a volatile moment in national history.
Their projects are about brokering a different kind of conversation. ‘The Other Side’ is a GraphicDesign& title because it uses graphic design to try to frame the conversation. Graphic design is the language they’re using, as well as examining—it can help understand things, challenge things and question things.
The Other Side: An Emotional Map of Brexit Britain
To apply mobile app workflow to VR UIs, you first have to figure out a canvas size that makes sense. Below is what a 360-degree environment looks like when flattened. This representation is called an equirectangular projection. In a 3D virtual environment, these projections are wrapped around a sphere to mimic the real world.
The full width of the projection represents 360 degrees horizontally and 180 degrees vertically. We can use this to define the pixel size of the canvas: 3600 × 1800. Working with such a big size can be a challenge. But because we’re primarily interested in the interface aspect of VR apps, we can concentrate on a segment of this canvas.
The area of interest represents the one-ninth of the 360-degree environment. It’s positioned right at the center of the equirectangular image and is 1200 × 600 pixels in size.
Before getting into any software, it’s crucial to get your ideas out on paper. It’s fast, cheap, and helps you express ideas that may take hours in software. This is especially important because moving from sketches to hi-fidelity can cost much more in 3D than in 2D.
Software
Some designers start with tools they already know like Sketch, others use it as an opportunity to learn new tools. It really depends on what engine you are going to use to build your app. If you are building a 3D game, you’ll want to use Unity or Unreal Engine. Cinema 4D and Maya are also widely used, but mostly for complex animations and renderings.
YSL Pour Homme Den ersten Nackheitsskandal erfuhr das Modehaus 1971. Der Damals 32- jährige Modeschöpfer Yves Saint Laurent ließ sich für die Werbung seines Herrenparfums von Freund und Fotograf Jeanloup Sieff komplett nackt ablichten. Ein kalkulierter, inszenierter Skandal. Das Nacktporträt eines so berühmten Mannes erregte Aufsehen, vor allem als sich einige französische Zeitungen und Zeitschriften weigerten, es zu veröffentlichen, was dem Parfüm noch mehr Publicity verschaffte. Zusätzlich war die Kampagne ein Meilenstein der Modefotografie, zum ersten Mal warb ein Schöpfer eines Parfums selbst dafür.
Yves Saint Laurent 1971, nackt für sein Parfum
Duft “M7“ Mehr als 30 Jahre später, 2002 schaffte es der neue Yves Saint Laurent Chefdesigner Tom Ford erneut einen Nackheitsskandal zu erzielen und Nacktheit in der Werbung auf einen neue Ebene zu bringen. Auch diesmal wirbt ein nackter Mann für ein Parfum. Der ehemalige Kampfsportprofi Samuel de Cubber zeigt sich vollkommen nackt und im Gegensatz zu seinem Vorgänger nicht mit geschlossenen Beinen. Die Kampagne ist eine Hommage an jene von 1971.
Samuel de Cubber, 2002
Parfüm wird auf der Haut getragen, warum also den Körper verstecken?
Tom Ford
2002 gab es nochmal einen Skandal um die Werbung des Parfums Opium mit der nackten Sophie Dahls. Dasselbe Parfum bewarb auch schon Kate Moss wofür das Unternehmen zahlreiche Beschwerden erntete.
Sophie Dahl nackt für YSL
Nichts ist schöner als die nackte Haut einer Frau, & das Schönste, was sie auf ihrer Haut spüren kann, ist die Umarmung eines Mannes.
Yves Saint Laurent
Aufgrund von mehr als 120 Beschwerden gegen eine Kampagne 2017 verlangte die französische Werbeaufsicht, umstrittene Werbeplakate von Yves Saint Laurent zurückzuziehen. Begründung war die Plakate seien frauenverachtend.
verbotene Werbung, 2017
Quellen:
Siermann, Kristin, 2006, Grenzen und Wirkungsweisen des Gestaltungsmittels Erotik in der Werbung, München, GRIN Verlag, 2006
Schierl, Thomas: Text und Bild in der Werbung. Bedingungen, Wirkungen und Anwendungen bei Anzeigen und Plakaten: Halem Verlag, Köln 2001 Kapitel 4.2 Emotionen, 4.2.2 Emotionale Apelle, 4.2.2.1 Erotische Apelle S. 107 – 111
Erotische Reize in der Werbung werden schon seit weit über hundert Jahren eingesetzt, um auf Produkte aufmerksam zu machen. Diese Werbemethode wird “Sex Sells” genannt, weil diese erotischen Appelle schon unzählige Werbeerfolge ermöglicht haben. Die ersten Werbetexte auf nackten Frauenrücken gab es bereits um 1880. Etwa 10 Jahre später wurde bereits direkte Nacktheit eingesetzt, um auf die Anzeigen aufmerksam zu machen.
Auch wenn sexuelle Werbung heute nicht mehr so häufig für Skandale sorgt wie in ihren Anfängen, wird sie dennoch oft kritisiert. Nämlich dann, wenn die Erotik in eine sexistische Richtung geht. Diese Form der Werbung erreichte in den 70er Jahren ihren Höhepunkt – sexuelle und erotische Reize waren aus der Werbung nicht mehr wegzudenken. Fast jedes Produkt wurde mit Sex beworben, auch wenn es keinen Zusammenhang mit der Werbebotschaft gab. Selbst öffentliche Institutionen und politische Parteien griffen auf sexuelle Werbung zurück.
Fa – Werbung 7oer Jahre
Menschen antworten auf erotische Reize mit physiologischen Reaktionen. Wird männlichen Versuchspersonen zum Beispiel die Abbildung einer nackten Frau gezeigt, erweitern sich die Pupillen des Betrachters. Das heißt aber nicht, dass erotische Reize in der Werbung generell die Werbewirkung verbessern. Es kommt auch darauf an, ob der Betrachter eine Verbindung zwischen dem erotischen Appell und der Werbebotschaft herstellen kann.
Weitere Erkenntnisse aus der Werbeforschung zitiert aus Schierl, Thomas: Text und Bild in der Werbung. Halem Verlag, Köln 2001
Erotische Appelle entfalten ihre Wirkung auf Männer wie auch auf Frauen. (Messaris 1997, S.48f.)
Werbung mit Sex muss nicht in jedem Fall zu einer besseren Markenerinnerung führen als eine Werbung ohne Sex. (Steadman, nach Mayer 1979).
Der Grad von Nacktheit in der Werbung wirkt sich nicht negativ auf die Markenerinnerung aus. (Alexander/Judd 1978)
Die Erinnerungsleistung des Rezipienten bei erotisch getönter Werbung hängt auch von der jeweiligen grundsätzlichen Einstellung des Betrachters zu sexueller Werbung ab. Wer Sex in der Werbung positiv oder zumindest neutral sieht, erinnert sich besser an derartige Werbung. (Steadman) Unter Umständen ist die Markenerinnerung sogar bei einem neutralen Standpunkt am größten. Wer solche Werbung dagegen ablehnt, der erinnert sich weniger daran (Alexander/Judd 1978).
Die Verwendung expliziter sexueller Motive in der Werbung hat keinen negativen Einfluss auf die Markenerinnerung, wirkt sich aber unter Umständen negativ auf die Erinnerung von Inhalt und Verstehbarkeit inhaltlicher Aspekte der Werbebotschaft aus (Severn/Belch/Belch 1990).
Insbesondere bei Produkten, die einem Rezipienten irgendwie sexuell relevant erscheinen, wird erotisch getönte Werbung als interessanter, origineller, unterhaltender aber auch aggressiver eingeschätzt und verstärkt die Kaufbereitschaft. (Severn/Belch/Belch 1990)
Wenn sexuelle Appelle effizient sein sollen, muss zwischen Marke und erotischem Motiv ein glaubhafter und nachvollziehbarer Bezug hergestellt werden können. (Eigler 2000, S.77)
Einfluss von erotischen Appellen auf die Wahrnehmung und Bewertung von Produkten
Erotische Reize können sowohl die Wahrnehmung als auch die Bewertung des beworbenen Produktes beeinflussen. Bei falscher Anwendung können sexuelle Appelle vom eigentlichen Zweck der Werbung ablenken, da sie den überwiegenden Teil der Aufmerksamkeit auf sich ziehen.
Auch die Bewertung von Produkten und Marken kann sowohl positiv als auch negativ beeinflusst werden. Bei der Analyse von Automobilwerbung wurde nachgewiesen, dass ein Auto, das mit einem attraktiven weiblichen Model beworben wurde, das Fahrzeug als ansprechender, jugendlicher, teurer, schneller, stärker und schöner im Design beurteilt wurde. Allerdings bewerteten die Betrachter das Fahrzeug auch unsicherer.
Autowerbung von 1966 für den Dodge Coronet.
Bevor man also erotische Reize in der Werbung einsetzt, muss man sich überlegen, welche Wirkung die Reize auf das Produktimage haben, wen man erreichen will, welche Verbindung man zur Marke herstellen kann und dass manche Menschen den Einsatz erotischer Werbung schlichtweg ablehnen.
Design activism is about using one’s responsibility as a designer to draw attention to social, political and socially relevant issues. However, this does not mean influencing opinions. It’s about shining a light on areas that are still too much in the shadows. It is also important to research facts, backgrounds, motives, cultural differences, etc. In doing so, the contents should not be blindly and one-sidedly illuminated. Research and the comprehensive study of a topic are the prerequisites for quality work. Design activism aims to exert a positive influence in relation to a specific topic, not to be confused with (opinion) influencing. It is intended to create attention and an incentive for society to deal with certain topics.
Propaganda, on the other hand, intends to deliberately influence people’s thoughts, actions and even feelings according to the particular interest of the sender. Propaganda is mainly used by politicians and the military in war to convince the population of their own war, whereby there is a one-sided illumination of the necessity of the war and important aspects, such as own power and economic interests, war suffering, war crimes, etc. are disregarded. Another goal of propaganda, however, is to recruit soldiers for the war, to maintain the military’s readiness to fight, to weaken the enemy’s war morale and to deceive the enemy by spreading false information.
Forms of propaganda
The means used for propaganda appear in different forms. Forms that have existed since ancient times and do not require the classical media are, for example, preachings, speeches or songs in front of an audience. In modern times, however, propaganda is carried out almost exclusively via the media, as this has the advantage of rapid and widespread dissemination. Specifically, these are propaganda messages in the form of leaflets, newspaper and Internet articles, posters, photographs, film recordings, radio broadcasts and even computer games.
f. l. t. r.: Nazi propaganda poster with anti-espionage campaign, 1944; Magazine “Die Wehrmacht”, 1941; Nazi propaganda brochure on the “Total War, 1943War propaganda for the so-called home front.The legendary poster featuring Uncle Sam was designed by artist James Montgomery Flagg in 1917, shortly after the U.S. entered the First World War
Computational propaganda
In context of social media there is a specific form of propaganda called computational propaganda. The Oxford Internet Institute from the University of Oxford made a research project, where the use of social media for public opinion manipulation was examined. Referring to this research project, computational propaganda is a term and phenomenon that encompasses recent digital misinformation and manipulation efforts. It is the use of algorithms, automation, and human curation to purposefully distribute misleading information over social media networks (Woolley & Howard, 2016). It’s about learning from real people and to mimic them, so that the public opinion can be manipulated across different platforms and device networks (Woolley & Howard, 6: 2016). The research project from the Oxford Internet Institute demonstrates the origins and concrete consequences of computational propaganda. Social media platforms are the primary media over which (young) people develop their political identities, which is why social media is also actively used to manipulate public opinion in different ways and on different issues.
In summary, it can be said that computational propaganda is one of the most powerful tools against democracy. Social media firms are the platforms for it, so they also should take their responsibility to redesign themselves for democracy.
Samuel C. Woolley & Philip N. Howard, “Computational Propaganda Worldwide: Executive Summary.” Samuel Woolley and Philip N. Howard, Eds. Working Paper 2017.11. Oxford, UK: Project on Computational Propaganda. comprop.oii.ox.ac.uk. 14 pp.
Design as a discipline has an inherent dynamism that results from the constant development of the term and its different ways of looking at and interpreting it, which is why the nature of this discipline is also the subject of negotiation and dispute. At the core of design thus also lies a constant expansion and appropriation of new spaces for action, which can be observed constantly in the development of design since its beginnings in industrialization.
The development of new, social-entrepreneurial business fields and design perceptions are linked to terms such as Design Activism, Design as Politics, Transformation Design, Civic Design, Social or Transition Design, which means that design today stands in a context in which it is socially and politically engaged. It is endowed with the ability to contribute directly to changing social processes. So, design today is directly embedded in social and political changes, such as maker cultures, new economies and forms of production and use of technologies, shifting global power relations, crises, climate change, expanding war zones, civil society collectives and initiatives, etc., which means that design must also assume an interventionist role in shaping social reality.
Communication design and it’s essential role in our everyday life
For this time, I would like to take a closer look at the term communication design, because communication designers shape everyday culture.
The field of activity of the communication designer finds expression in the form of advertising posters, public signage, advertisements, television, newspapers, magazines, books, packaging, and much more. We even come across word or image marks in the label of our T-shirt, a glance at the dial of our wristwatch provides us with an example of information design, or we activate our smartphone to immerse ourselves in a digital media world designed by communication designers. By creating communication media, communication designers also influence the shape of our everyday culture. The goal is to convey specific content and messages to a specific group of people through media. To do this, designers must know, develop and structure the content as well as know about the communication channels in order to present the information and messages in the right way for the respective target group to understand. Since there is an incredibly large amount of information that reaches us every day, communication design is seen as an umbrella term for diverse, specialized disciplines. These include, for example, editorial design, branding, corporate design, identity design, packaging design, information design, interaction design, motion design, UX design and so on. What connects all disciplines is the competence for the design of visual communication, both in 2D for print and screen and increasingly as moving image in combination with sound.
Communication designers are design professionals who use visual codes to formulate or compose messages in such a way that they inform, convince, seduce, entertain, enlighten, warn, identify, personalize, organize, structure, provide orientation or are simply beautiful.
The following graphic shows the broad field of competence of a communication designer:
The supreme discipline
Among the clients of communication designers are actors from business, science, culture, etc. Looking at the field of competence, the need for the expertise of this discipline can also be found in politics. According to Gerda Füricht-Fiegl, head of the master’s program in political communication at Danube University Krems, political communication can also be considered the supreme discipline. Although there are many similarities with PR, a large number of interactions are triggered in political communication, and many more influencing variables must also be taken into account. Under great time pressure, one must nevertheless proceed very thoughtfully and analytically. Strategic and analytical thinking skills, an eye for the big picture, the ability to abstract and conceptualize as well as creativity, media and production skills and design skills are just some of the prerequisites for successful communication design, especially in the field of politics.
If we look at the past, design has already played an essential role in major, social change processes, such as in the modernist art movement of the Bauhaus. A particularly vivid example, however, can be found in the construction of national identities under National Socialism through the effective use of design strategies, whereby here we mostly speak of propaganda under National Socialism. These national identities were created through the targeted influencing of opinion. In which forms propaganda occurs and what exactly counts as propaganda will be discussed in the next blog entry.
The power of design
To conclude this blog entry, I would like to recommend the following Ted Talk, in which JD Hooge reflects the power of design in a very vivid way. In my opinion, exactly this power affects all areas of social, societal and political life.
Methoden der Skandalisierung – die Palmers Werbung Masterarbeit Thomas Kepplinger CMS16
Der Verfasser der Arbeit hat folgende Kernfragen gestellt: Welche Rolle spielen Medien in der Skandalisierung? Inwiefern kann eine Emanzipation der Werbung festgestellt werden? Welche konkreten Auswirkungen der Werbung gibt es auf Betriebsergebnisse und den Bekanntheitsgrad der Marke?
Ebenso befasste er sich mit der Analyse der Wechselwirkungen zwischen Werbung und öffentlichem Diskurs an Hand der Werbung von Palmers.
Die Marke Palmers hat im Laufe seiner Firmengeschichte (Gründung 1914) mit 5 Skandalen für Aufsehen gesorgt.
Die Darstellung der Frau in der Werbung im frühen 20 Jahrhundert
Die Rolle der Erotisch-Lockenden Das Abbild einer leicht bekleideten Dame soll für die Aufmerksamkeit der männlichen Käufer sorgen.
Frauenfigur als Allegorie Figuren der Antike oder der romantischen Märchenwelt ermöglichen die Darstellung unverhüllter Frauenkörper
Die Rolle der Frau als Dienende Wurde vor allem für Produkte eingesetzt die von Frauen verwendet wurden. …..Sie kocht den besten Kaffee….. …..Wäscht die weißeste Wäsche ….
Der Schriftsteller Karl Kraus beschrieb die Rolle der Frau zwischen „Arbeitstier“ und „Lustobjekt“
Die Darstellung der Frau wurde auch dadurch geprägt, dass nahezu keine Frauen in Entscheidungspositionen der Werbeagenturen waren obwohl rund 75% der Waren von Frauen gekauft wurden.
In der Werbung wurden die Produkte nicht vom Model am Körper getragen. Die Übliche Darstellung für Büstenhalter war etwa, dass ihn eine Frau in den Händen hält. Strumpfhosen wurden auf „Schaubeinen“ präsentiert.
1937
Skandal 1 _ Klerikaler Protest 1936
Ein Sujet einer liegenden jungen Frau mit Halbstrümpfen brachte die Bischöfe Wiens und Innsbruck dazu ein Verbot zu fordern.
Klerikaler Protest 1936
Skandal 3 _ Reizung der Lüsternheit 1953
Das Werbeplakat für die Zwillingspackung Perlonstrümpfe sorgte für Empörung. Es handelt sich um eine Abbildung von Frauenbeinen während sie sich das rechte Strumpfband hochzieht. Der Abschluss der Stümpfe wird von einem kurzen Unterkleid umspielt.
Reizung der Lüsternheit 1953
Da „Die Sittliche Entwicklung jugendlicher Personen, insbesondere durch Reizung der Lüsternheit“ gefährdet wurde, wurde das Plakat verboten.
Zur Wiederherstellung der Sittlichkeit wurde der Unterrock mit vorgedruckten Röcken überklebt
Überklebtes Plakat
Der für das Plakat verantwortliche Grafiker Gerhard Brause erhielt von Palmers eine Prämie in Höhe von 10.000 Schilling, da sich der Umsatz der Strümpfe innerhalb der ersten beiden Tage nach diesem Skandal versechsfachte.
Die Darstellung der Frau 60er Jahre
Die Geschlechterrollen in der Werbung verändern sich langsam. Weibliche Models werden zunehmend freizügiger abgebildet. Der Abgebildete Alltag der Frauen ist dennoch von der Rolle als Hausfrau und Mutter geprägt. Doch auch wachsender Wohlstand und steigender Konsum nimmt Einfluss auf die Werbung.
Mitte der 1960er Jahre entstehen Gesetze, die die Gleichstellung der Frau begünstigen. Dies Veränderte das Frauenbild – und mit Verzögerung auch das Männerbild – in der Werbung.
1969
1971
Sexuelle Revolution Die sexuelle Befreiung welche unter anderem durch die Verhütungspille entstand, spielgelt sich in der Werbung mit besonderer „Offenheit“ gegenüber sexuellem Primärmerkmalen, ausschließlich weiblicher Art aus.
1953
Seit dem 60er Jahren wurde jedes erdenkliche Produkt mit weiblichem Sexappeal beworben. Zuvor galt diese Art der Werbung als „Verstoß ins Neuland“ und war nur bei Pin-Up Abbildungen gestattet. Frauen gingen auf die Straße um sich gegen die „symbolische Durchdringung ihrer Körper“ zu wehren.
Allmählich ist eine Veränderung von Tabus und Emazipationsströmungen zu erkennen. Das Körperideal tendiert nun Richtung schlankere Körperformen. Im Gegenzug zu Männerzeitschriften wiesen Zeitschriften, die an Frauen gerichtet waren einen deutlich geringeren Anteil an erotischer Frauenabbildung auf.
Männer als Zielgruppe Nackte Männerkörper wurden in der Werbung nur für Männerprodukte verwendet. In den 80er Jahren wurden für Palmers auch Männer als Zielgruppe interessanter. Männer wurden leicht von unten Fotografiert um selbstbewusst und stark zu wirken. Dieses antike Muster wurde durch Säulen und ähnliche Requisiten verstärkt. Plakate mit Männern waren fast immer Schwarz/Weiß.
Das Körperideal verwandelte sich über die Jahre zur „jungen, schlanken, gepflegten, trainierten, schönen Frau. Auch das Ideal der Karrierefrau findet zunehmend Anspruch. In den späten 1990er Jahren erreicht die Unzufriedenheit der Frauen mit dem eigenen Körper seinen Höhepunkt. Die Models wurden immer dünner und die Schönheitsideale immer unerreichbarer.
Der Zeitgeist der 1980er und 1990er Jahre zeigte eine allmähliche Vermischung der Geschlechtergrenzen „Gender Benders“. Man versuchte nun mit der Werbung möglich beide Geschlechter anzusprechen.
Palmers arbeitet oft mit Plakatserien. Das mittlere Sujet war meist eine Portraitaufnahme zum Blickfang. Auf einem Plakat war meistens eine Detailaufnahme zu sehen und am dritten ein Ganzkörperfoto.
Die heutige Palmers-Werbung soll diskret-unterschwellig wirken, Emotionen ansprechen und Wohlstand, Zufriedenheit, narzißtisches Körperleben, Exklusivität und Qualität widerspiegeln.
„Fridecky, Doris: Die Palmers Werbung im Zusammenhang mit dem Wandel des Rollenbildes der Frau, Wien, 1995, S.41“
Skandal 4 _ Mark Glassner 1997
Für Mediale Aufmerksamkeit sorgte 1997 ein Plakat von mit der Rückenansicht von fünf Frauen, fotografiert von Mark Glassner.
Das Plakat wurde von Anhängern des Volksbegehrens zur Gleichberechtigung der Frauen überklebt und zahlreiche Beschwerden gingen beim österreichischen Werberat ein. Dieser entschied jedoch, dass gegen das Plakat keine Einwände bestehen. Es sei eine ästhetische, produktadäquate Darstellung, da die Präsentation von Strumpfmode nur hautnah möglich sei.
Der Umsatz stieg um 42%. Wegen der großen Nachfrage für das Plakat errichtete Palmers einen Postershop.
30 Euro. Für nichts. 2004 sorgte das Unternehmen mit der „Invisible“-Kampagne für Aufsehen. Palmers nutze das neue Medium des hinterleuchteten Plakates. Das Plakat zeigt das Model tagsüber mit Wäsche, welche besonders dünnen Stoff aufweist und nachts erscheint das Model nackt. Untertitelt wurde mit dem Werbeslogan: „30 Euro. Für nichts.“
„Invisible“-Kampagne 2004
„Crazy for Passion“ Auch 2006 gab es mediale Aufmerksamkeit für ein Plakat. Die Kampagne „Crazy for Passion“ wurde von den Behörden in München und Hamburg als „zu freizügig bzw. „zu anstößig“ / „zu gefährlich“ für den Straßenverkehr eingestuft. In Wien zierte das 28×5 Meter große Plakat den Bauzaun einer sich im Umbau befindlichen Palmers-Filiale. Das Sujet zeigt zehn Tänzerinnen des Pariser Cabarets „Crazy Horse“ von hinten.
„Crazy for Passion“ 2006
Der Skandal ist immer nur ein Skandal im Spiegel seiner Zeit. Er sagt viel aus über die jeweiligen Moralvorstellungen, Schönheitsideale, Vorlieben und Tabus.
Hertreiter, Vollmuth 2017
Blind Date Für den ersten Werbespot nach 8 Jahren im November 2011 erntete Palmers Kritik seitens des Blindenverbands ÖBSV. Im Spot bewirbt ein blindes Model die haptische Wertigkeit der von ihr getragenen Wäsche.
Der Spot trug den Titel „Blind date“ / Sinnlichkeit, die man fühlt.“
Der Werberat konnte keinen Verstoß feststellen. Der ORF prämierte den Spot als bester inländischer Werbespot.
Skandal 5 _ Osterhöschen 2017
Sechs junge Frauen, nur mit Slip bekleidet liegen auf einem Teppich. Das Sujet wurde nur über Facebook publiziert.
Osterhöschen 2017
Der Werberat forderte Palmers zum sofortigen Stopp der Kampagne auf. Kritisiert wurden die Jugendlichkeit und Körpermaße der Frauen. Weiters fördere das Bild Assoziationen mit der Feilbietung der Ware von Menschenhändlerringen.
Wie Werbung Geschmacksdiktate verbreitet und ihnen folgt, was sie in ihren Blickpunkt rückt und was sie verbirgt, gibt Aufschluss darüber, welche Werte in einer Kultur gültig sind, und was tabuisiert wird.
Wilk, Nicole M.: Körpercodes. Die vielen Gesichter der Weiblichkeit in der Werbung.Frankfurt/Main: Campus Verlag 2002 S.21
Quelle: Masterarbeit Methoden der Skandalierung – die Palmers Werbung, Thomas Kepplinger CMS16
Apple hat 2019 in seinen Apple stores zu AR- Workshops eingeladen. Dabei konnte mithilfe der Programmiersprache Swift Playgrounds die Grundlagen für eigene AR-Anwendungen erlernt werden.
Auf sogenannten AR Safaris konnten Teilnehmer auf Touren durch Städte wie New York und London, Werke führender New Yorker Künstler bestaunen. Darunter Nick Cave, Nathalie Djurberg und Hans Berg, Cao Fei, John Giorno, Carsten Höller und Pipilotti Rist.
Nick Cave, for APPLE [AR]T WalkPipilotti Rist, for APPLE [AR]T WalkNick Cave, for APPLE
Nick Cave’s “Amass”
Dieses AR Kunstwerk kann direkt im Apple Store bestaunt werden. Die Apple Store App bietet den sogenannten AR Viewer an der sich öffnet sobald man sich in deren Netzwerk befindet.
Nick Caves Installation lassen dich 5 verschieden metallische Objekte entdecken die im Store versteckt sind. Basierend auf AR Kit startet die AR Erfahrung ohne flache Oberflächen tracken oder scannen zu müssen. Eine simple Kamerafunktion lässt Screenshots machen und 5 Punkte visualisieren die bereits gefundenen Objekte.
Nick Cave, for APPLE
Zusätzlich zu den metallischen Objekte die an Kaleidoskopen erinnern, schwirren unzählige andere 3D Objekte herum. Soundeffekte beim einsammeln erweitern das Erlebnis. Deshalb ist es ratsam Kopfhörer zu verwenden. Wenn alle Objekte gefunden wurden lässt sich eine Animation mit diesen starten.
Das einzige Manko ist, dass man sein eigenes Iphone braucht, da Ipads oder Iphones aus dem Applestore, dies nicht unterstützen.
Videotiefenberechnung für AR
Der Bereich der 3D Szenenrekontruktion aus Bildsequenezen wird schon seit Jahren erforscht. Die Weiterentwicklung von neuralen Netzwerken und Algorithmen lassen neue lernbasierte Techniken zu, die immer genauere Tiefenbilder berechnen, um beispielsweise realistische 3D Effekte in den Bereichen AR, VR oder in der Vfx umzusetzen.
Wie man in den vorherigen Blogposts schon lesen konnte, sind Berauschung und Rauschzustände Themen in aldlen Kulturräumen und Gesellschaftsgruppen. Es handelt sich um ein universelles Phänomen, das als Suchmittel, zu medizinischen Zwecken aber auch zur künstlerischen Anregung oder als Inspirationsquelle genutzt wird. Wenn ein Rauschzustand in einem Film thematisiert wird, spielt auch die musikalische Untermalung eine wichtige Rolle.
„The interpenetration of music with trancing is ancient and universal. I suspect that most, if not all, societies have some form of institutionalized, religious trance ceremonies that also include music. […] Musical immersion stimulates emotion and faciliates their [trancers] special attentiveness, their special consciousness.”[1]
Musik nimmt auch eine zentrale Rolle in Disneyfilmen ein. Deshalb wird in diesem Blogpost der Zusammenhang von Rauscherfahrungen im Film und der zugehörigen Filmmusik am Beispiel einer Rauschszene eines Disneyfilms näher erläutert. Die aktuelle Zeichentrickfilmmusikforschung beschäftigt sich auch mit diesem Thema und ist zu dem Entschluss gekommen, dass Musik in vielerlei Hinsicht im Zusammenhang mit Drogenerfahrungen steht. Unter Drogeneinfluss kommt es zu einer Sensibilisierung verschiedener Sinne wie dem Hörsinn, Sehsinn, Geruchssinn oder auch der allgemeinen Gefühlslage. Deshalb erlebt man Musik im Rauschzustand ganz anders als wenn man nüchtern ist. Alles wirkt intensiver, man nimmt es oft mit einer ekstatischen Begeisterung wahr und sieht eine tiefere Bedeutung dahinter. Musik wird in veränderten Bewusstseinszuständen deshalb auch genutzt um neue, noch nicht erschlossene Bewusstseinsregionen zu entdecken.[2]
Mit diesem Vorwissen soll dieser Blogpost eine Erweiterung des Posts „Warum Walt Disney immer schon als Vorreiter im Bereich psychedelischer Szenen im Animationsfilm galt.“ darstellen und die Szene Pink Elephants on Parade aus dem Film Dumbo, der erstmals 1941 erschien, analysieren. Dumbo war der vierte ausgedehnte Zeichentrickspielfilm von Disney und handelt von einem Elefanten mit riesigen Ohren, der sein Leben lang immer ausgegrenzt und als Außenseiter behandelt wurde und dann nach einer psychedelischen Erfahrung, induziert durch die unbeabsichtigte Einnahme von Alkohol, an einen Wendepunkt geriet. Er erlitt im Laufe seines Lebens immer wieder verschiedene Traumata und brauchte einen Mentor, in dem Fall seinen Freund Timothy Mouse, der an ihn glaubt und einen Katalysator, in dem Fall den Rausch, um diese zu verarbeiten und etwas Positives daraus ziehen zu können. Während seines Rauschzustandes sieht er pinke, tanzende Elefanten am Nachthimmel. Bildhafte Fantasien und die dazugehörigen Gefühlszustände helfen ihm in diesem Fall in sein Inneres vorzudringen und seine inneren Konflikte bzw. seine alten Traumata zu bewältigen.
Elefantenherolde
Der LSD Forscher Stanislav Grof entwickelte das Konzept der perinatalen Erfahrung unter Drogeneinfluss. „Unter der Voraussetzung, „daß [sic!] diese Substanz ein unspezifischer Verstärker psychischer Prozesse ist, der aus der Tiefe des Unbewußten [sic!] Elemente der verschiedensten Art an die Oberfläche bringt“[3] setzte er sich in den 70er Jahren für den therapeutischen Einsatz von LSD ein. Er und auch andere Drogenforscher würden in Dumbos Fall von einer Rauscherkenntnis, die außerhalb des rational-sinnlichen Wachbewusstseins gemacht wurde und so Einsichten vermittelt, die das herkömmliche Erkenntnisvermögen übertreffen, sprechen.[4] In Dumbos Vision der pinken Elefanten, konnte er fliegen und als er nach dieser psychedelischen Erfahrung wieder erwachte fand er sich auf einem Baum wieder, den er nur erreichen konnte, weil er tatsächlich hinaufgeflogen ist. Somit wurde er in seinem Rausch dazu inspiriert zu fliegen, was ihm half seine Traumata zu überwinden. Um das Thema Musik wieder aufzugreifen kann man auch die akustischen sowie die musikalischen Merkmale dieser Schlüsselszene analysieren. Denn Musik nimmt Einfluss auf die Stimmung und kann genauso wie die aktuelle Stimmungslage Einfluss auf den Verlauf des Rausches oder Trips nehmen. Da Dumbo sehr traumatisiert ist, fängt sein Trip eher wie ein Horrortrip an. Aus einer großen Sektblase aus seinem Rüssel bilden sich vier pinke Elefanten, deren Rüssel sich zu Trompeten formen. Diese vier Elefanten stehen für Herolde, die in der Geschichte wichtige Ereignisse mit Trompeten ankündigten. In Dumbos Fall markierten die Elefantenherolde nicht den Beginn einer Euphorie, sondern den einer Schreckensvision. „Die Musik ist hierbei Anzeichen und Auslöser zugleich“[5] Nach den Elefantenherolden ist eine Parade zu sehen, die von einem Marsch in Moll von Edward H. Plumbs begleitet wird. Schepperndes Blech, Xylophone und Glockentöne sind zu hören. Zeitgleich sind beängstigende Bilder von Elefanten zu sehen. Danach folgt der Song Pink Elephants on Parade, der vom Volksensemble The Sportsman intoniert ist. Der Horrortrip, der mit Elefantenherolden startet und dann Grimassen und Masken abbildet wandelt sich langsam zu bunten, bewegten Formen. Die Dysphorie wandelt sich zu Euphorie und die marschierenden Elefanten werden zu tanzenden Elefanten. Der Tanz erinnert an einen lateinamerikanischen Mambo und vermittelt eine sehr sorglose, positive und befreite Stimmung.
Die langen instrumentalen Passagen, das Verwenden verschiedener exotischer Instrumente und die Vereinigung unterschiedlicher Musikstile und Stimmungen, fanden sich auch im späteren psychedelischen Rock wieder.[6] Was Pink Elephants on Parade zu einer wichtigen Inspirationsquelle macht und Einfluss auf viele nachfolgende Rauschszenen aber auch musikalische Werke hat.
[1] Becker, Judith: Deep Listeners Music, Emotion and Trancing, Bloomington 2004, S. 1
[2] Herzfeld, Gregor: Disney psychedelisch. Musik und Rausch im Zeichentrickfilm, Acta Musilogica 214, Vol 86/1, S. 131
[3] Grof, Stanislav: Topographie des Unbewussten.LSD im Dienst der tiefenpsychologischen Forschung, G.H. Müller, Stuttgard 1978, S. 14
[4] Herzfeld, Gregor: Disney psychedelisch. Musik und Rausch im Zeichentrickfilm, Acta Musilogica 214, Vol 86/1, S. 134
