Category: Communication Design

The earliest printing method came up around the year 200 in China. Back then, wooden blocks were carved and arranged, inked and then printed. Since then the printing process was adjusted and improved via new and more accurate methods that made it more and more easy to reproduce bigger editions and thus distribute information and knowledge faster among the people. For all these printing techniques from litography, letterpress, offset to screen printing it is and always was necessary to create some kind of model like a set of letters, printing plates, stencils or a screen through wich color can be applied to various media like paper but also other applicable printing substrates.

Every printing technique, where a model of the printing image is necessary belongs to analog printing methods. Digital printing on the other hand refers to methods where the data is directly transferred to the printer which then applies ink or toner particles to the paper. DDP or direct digital printing are most commonly electrography methods using ink jet or laser print technology. A major difference to analog printing methods is that within a single pass more colors like cyan, magenta, yellow and black can be applied to printing substrates. Additionally with digital printing the printing image can be adjusted and customised from one print to the next and thus small editions from 1 – 500 pieces can be printed more economically than it would be the case with analog printing methods where for each color another physical template like a printing plate needs to be produced for the separate printing runs.

In traditional letterpress, for example, a CMYK print of a photography would need four printing plates that are used in four passes for which the position of the print and the right amount of color needs to be adjusted for each run after which you have to clean the machine and fill in the next ink. The same would apply if you wanted to print a 4c photo using the screen printing method. In offset printing, you also need four printing plates, however most offset printing machines have four or more inking units through which the printing substrate will run subsequently.

For both, analog and digital printing methods the source of the printing image can be digital, though for analog printing methods you can also use „data“ from purely analog sourcese like wooden and leigh letters or hand carved linocuts for letterpress. For screen printing hand drawn foils and analog templates can be used to prepare the screens and analog films can also be used to produce printing plates for printing methods like letterpress or offset printing.

Advantages and disadvantages

The various characteristics of digital and analog printing techniques offer different advantages and disadvantages. As with digital methods the print image can be easily adjusted from one print to another, the biggest advantage of ink jet and laser print is the economic setup for small editions starting from one copy. For bigger editions from more than 500 copies, analog printing machines provide fast and highly accurate reproduction as soon as the machines are set up properly.

Besides economic considerations the various printing methods provide different features concerning the print:

Digital Print

Depending on the printing device, ink jets and laser printers may provide a bigger color space that can closely represent the RGB color space. Therefore digital printing methods are best to reproduce colorful photographies consisting of numerous pixels, though printing solid color (areas) may not provide satisfying results unless printed on prepared printing substrates like specially coated papers. Hp-Indigo printing machines offer another great feature, as with this digital printing method light colors can be printed on dark colored (primed) papers like white text on black paper. This can usually only be achieved using screen print or hot foils.

Analog Print

The various analog printing techniques, from offset, flexo or gravure printing over letterpress, screen print to risography also offer different advantages and disadvantages. While offset print features sharp prints and great solid color areas even on uncoated papers, letterpress printing (with hotfoil or color) nowadays is mainly used wherever the printing substrate is embossed, adding on the haptic value of the printed product. For both methods colors can be mixed by hand and thus especially spot colors can be printed providing high accuracy. In screen print colors can also be mixed and customised by hand, resulting in highly saturated long lasting color prints on various surfaces.

In analog printing however, the visual appearance from print to print may vary, resulting in more or less charming print effects and styles, especially when printing manually or in small editions where a proper preparation and set up of the printing machine is not applicable.

Finally besides the choice of the printing method, not only the number of copies but also various components in the printing process, like colors (e.g. transparent or opaque), features of the printing substrate (e.g. thickness, smoothness of surface, coated or uncoated papers) but also physical features of materials used for printing plates or stencils are to be considered for the accurate purpose and style of the final priting result.

Sources:
https://en.wikipedia.org/wiki/Printing
https://sites.google.com/site/historyofprinting/the-invention-of-wood-block-printing
https://de.wikipedia.org/wiki/Digitaldruck
https://www.derdruckoptimierer.at/offsetdruck-vs-digitaldruck/
https://de.wikipedia.org/wiki/Offsetdruck
https://www.wired.com/story/how-letterpress-printing-came-back-from-the-dead/

Einsatz von Illustration und Fotografie nach Content Type

Wie im vorherigen Post bereits erwähnt ist der Inhalt neben der Form eines der beiden Mittel, mit dem Informationen vermittelt und kommuniziert werden kann. Dabei gibt es drei verschiedene Inhaltstypen und Ansprüche an ein Design in der visuellen Kommunikation:

informativ, überzeugend und unterhaltsam

Je nach Anforderungen an das Design sollten die grafischen Mittel so gewählt werden, dass sie die Inhaltsansprüche erfüllen. Das wiederum heißt, dass je nach Content Type die bestmögliche Visual Language und die entsprechenden grafischen Elemente gewählt werden sollten. Für gewisse Content-Typen eignen sich Illustration bzw. Fotografie aufgrund ihrer Charakteristiken besser. 

Content Types der visuellen Kommunikation:

Informativ – informative 

Ein Zweck, den Design erfüllt, ist die Bereitstellung von Informationen für das Publikum. Das Vermitteln von Wissen, das Geben von Fakten und das Verbessern des eigenen Verständnisses fallen in den Zuständigkeitsbereich einer der folgenden Aufgaben:

• Schilder
• Verzeichnisse
• Pläne
• Anleitungen
• Bedienungsanleitungen
• Handbücher
• Museen
• Ausstellungen

Überzeugend – persuasive 

Die kommerziellen Designanwendungen sollen das Verbraucherverhalten und die Entscheidungsfindung beeinflussen.Design mit kommerzieller Absicht kann und wird häufig Elemente aus der obigen „informativen“ Liste einmischen.

Die folgende Liste ist häufig mit Überzeugungsarbeit und einer Handelsaufforderung im Design verbunden:

• Zeitungen
• Zeitschriften
• Jahresberichte
• Broschüren
• Plakate
• Werbung
• Geschäftsauslagen
• Verpackungen

Unterhaltsam – entertaining

Durch unterhaltsames Grafikdesign soll eine emotionale Reaktion bei den Betrachtern ausgelöst werden. Das Publikum anzuspornen, zu engagieren oder anzulocken kann sehr mächtig sein, wenn es richtig gemacht wird.

DesignerInnen können ihre visuellen Kommunikationsfähigkeiten nutzen, um die Aufmerksamkeit einer Person mit amüsanten oder ablenkenden visuellen Informationen/Sprachen zu erhalten. Dabei gilt, wenn man über ein Stück Design lachen kann, ist man auf etwas fixiert. Emotionen spielen eine entscheidende Rolle für Menschen, die die Welt verstehen können. Form und Inhalt können nicht nur informativ und überzeugend sein, sondern auch viszeral. 

Der Content Typ gibt dabei die Art des Mediums bis zu einem gewissen Grad bereits vor. Es ergeben sich Bereiche, in denen klassischerweise Illustration bzw. klassischerweise Fotografie als bildgebendes Element verwendet wird. Häufig werden diese „natürlichen“ Grenzen auch bewusst überschritten, um sich bewusst und gezielt von der Masse bzw. der Konkurrenz, Mitbewerber abzuheben. 

Produktbewerbungen bzw. Produktfotografie, Bildbände, Kochbücher bzw. Food Photography, Reiseführer und Filmposter sind klassischerweise Bereiche in denen Fotografie als Visual Language bevorzugt wird. Hier muss Design oft einen Wahrheitsanspruch erfüllen und zum einen sind Genauigkeit und Vertrauen wichtig für die Ziele des bestimmten Designs. Menschen vertrauen auf Fotos, um einen Ort, ein Produkt oder eine Person genau darzustellen. Wenn man also für ein Produkt wirbt, ist es oft eine gute Idee, es mithilfe von Fotografie darzustellen. Hier ist es oft eine Kombination aus informativem und überzeugendem Content.

In Magazinen, Zeitschriften, Werbekampagnen, Sachbücher, auf Filmpostern, Key Visuals werden Illustrationen und Fotografie gleich häufig verwendet. Wobei für Podcast-Cover und Buchcover in der Regel Illustrationen häufiger verwendet werden. Natürlich kann auch immer eine Kombination aus beiden verwendet werden.

Illustrierte Magazine, Magazincover, Illustrationen in Zeitschriften bzw. Zeitschriftencover, Zeitungsillustrationen, Kinderbücher, Illustrierte Werbekampagnen, Bedieunungsanleitungen/Handbücher, Buchcover bzw. Buchillustrationen, naturwissenschaftliche Sachbücher bzw. Grafiken, Darstellungen über Botanik, des menschlichen Körpers und seiner Funktion, biologische Experimente, Chemie, Physik, technische Instrumente, Erklärvideos, Broschüren, Produktverpackungen, illustrierte Landkarten, Icons auf Webseiten und in Apps, Logos und Theaterplakate sind klassische Anwendungsgebiete für Illustrationen. Hier steht oft überzeugender und unterhaltsamer Content im Vordergrund.

Illustration kann natürlich auch für informative Zwecke eingesetzt werden.

Auch für Branding-Projekte eignet sich Illustration bzw. grafische Illustration hervorragend. Durch Illustrationen kann die visuelle Sprache einer Marke bereichert und differenziertere Dinge kommuniziert werden, die ein Logo, ein Farbschema, eine Schrift oder sogar Wörter nicht alleine vermitteln können. Illustrationen können einer Marke Leben, Energie und Emotionen verleihen.

Quellen:

• https://studiobruch.com/de/neumeister-website/
• https://studiobruch.com/de/terroir/
• https://studiobruch.com/de/eisperle/

Es stellt sich die Frage, wie kann ein Bild unter Berücksichtigung der besonderen Logik Visueller Kommunikation inhaltsanalytisch erfasst werden? Folgender Beitrag aus der Reihe „Methodeninnovationen in der Kommunikationswissenschaft“ soll Antworten liefern: 

Visuelle Inhaltsanalyse (nomos-elibrary) Ein Vorschlag zur theoretischen Dimensionierung der Erfassung von Bildinhalten Stephanie Geise / Patrick Rössler

Abstract: Der steigenden Bedeutung visueller Kommunikation steht ein bislang noch unbefriedigendes analytisches Instrumentarium zur Erfassung von Bildern gegenüber. Vor diesem Hintergrund diskutiert der Beitrag theoriegeleitet die Bedingungen, Möglichkeiten und Grenzen einer Methode der standardisierten visuellen Inhaltsanalyse. Im Fokus steht die Entwicklung eines Untersuchungsrasters, das für kommunikationswissenschaftliche Bildanalysen unterschiedlichen Durchdringungsgrades nutzbar ist. Ziel dieser theoretischen Reflexion ist es, einen konzeptionellen Rahmen aufzuspannen, innerhalb dessen sich die spezifischen Anwendungen der visuellen Inhaltsanalyse verorten lassen. Ausgehend von einer Diskussion des bisherigen Methodenstands zur standardisierten Bildinhaltsanalyse wird ein Modell zur theoretischen Dimensionierung von Bildinhalten entwickelt.

Wie analysiert man den Inhalt von Bildern?

Die Bedeutung der visuellen Kommunikation nimmt mit der Nutzung der digitalen Medien immer mehr zu. Der Anteil der Bilder in der Medienberichterstattung wächst von Tag zu Tag. Es stellt sich die Frage: Wie können diese visuellen Medieninhalte erfasst und analysiert werden? Die Schwierigkeit liegt in der Festlegung einer sinnvollen Messbarkeit von Bildkommunikation. Bei den gängigen Inhaltsanalyseverfahren wird meist der Fokus auf den Textinhalt gelegt und inhaltsanalytische Untersuchungen von Bildern nur selten durchgeführt. Meist werden dabei nur formale Elemente beschrieben ohne den tatsächlichen Inhalt des Bildes und sein visuelle Darstellung zu berücksichtigen. In der Praxis werden Bilder methodisch und inhaltlich bevorzugt auf Basis einer textlichen Analyselogik untersucht, aber inwieweit lässt sich diese Logik auf Bildkommunikation übertragen? Im folgenden Beitrag soll eine Methode der visuellen Inhaltsanalyse nahe gebracht werden. Dabei wird auf die Möglichkeiten und Grenzen einer solchen Methode eingegangen.

Eine indirekte Möglichkeit der Erfassung des Bildinhalts erfolgt über die thematische Kategorisierung. Dabei wird das kommunizierte Bild mit dem textlich thematischen Inhalt verglichen. Problematisch ist dabei, dass eine klare Zuordnung eines Bildmotivs zu einem Bildthema in vielen Fällen nicht eindeutig möglich ist und damit vom jeweiligen textlichen Kontext und der Interpretation des Rezipienten abhängt. Es gibt noch andere Möglichkeiten, auf die hier nicht näher eingegangen wird. Grundsätzlich ist zu sagen, dass in den letzten Jahren Studien zu diesem Thema zugenommen haben, diese aber noch eine zu geringe Analysetiefe aufweisen. Bei vielen Bildinhaltsanalysen liegt der Fokus auf formalen Merkmalen der Bilder. Bilder werden nicht ganzheitlich, sondern auf der Ebene der inhaltlichen Merkmale über grobe Kategorien erfasst. Damit konzentrieren sich die wenigsten quantitativen inhaltsanalytischen Studien auf das Bildmotiv selbst. Das Problem ist, dass es noch zu wenig methodische Standardisierungen von quantitativen Bildinhaltsanalyseverfahren gibt, dass die Kategorisierung nur bedingt dazu geeignet ist, das Bild in seiner Komplexität intersubjektiv zu erfassen, dass die Besonderheiten der Visuellen Kommunikation vernachlässigt werden, dass sie eine unzureichende methodisch-theoretische Fundierung aufweisen und dadurch häufig mit einer geringen Analysetiefe einhergehen, dass sich durch diese Methode problematische Inferenzschlüsse in der Kategorisierung, Erfassung und Analyse ergeben. 

Stephanie Geise und Patrick Rössler (Müller, Geise 2015) schlagen ein „Modell zur theoretischen Dimensionierung der Bildebene“ vor, dabei wird das Bild unter Berücksichtigung der besonderen Logik Visueller Kommunikation inhaltsanalytisch erfasst. Dieses Modell empfiehlt eine analytische Differenzierung der verschiedenen Inhaltsebenen eines Bildes in drei Strukturebenen. Eine Ebene beschreibt die Oberflächenstruktur, eine weitere die Binnenstruktur und letztere die Tiefenstruktur. Es ergeben sich für jede Strukturebene spezifische theoretische Dimensionen zur Erfassung der Bildinhalte. 

Abb. 1  Dimensionierung der Bildebenen (nomos-elibrary)

Was bedeutet manifest, quasi-manifest und latent? (Müller, Geise 2015)

In Anlehnung an inhaltsanalytische Auslegungen gilt ein visueller Inhalt als manifest, wenn sein Bedeutungspotenzial von verschiedenen RezipientInnen bzw. KodiererInnen intersubjektiv einheitlich erfasst und verstanden werden kann. Als quasi-manifest werden materielle Inhalte bezeichnet, deren Bedeutungspotenzial kulturell konventionalisiert und damit im Rahmen einer visuellen Sozialisation prinzipiell sozial tradiert sind. Mit der Zwischeneben quasi-manifest soll eine inhaltsanalytische Erfassung von Bildern, die mehrdeutige Kommunikationsformen darstellen auch analytisch-begrifflich abgebildet werden können. Wenn ein Bedeutungspotenzial mehrdeutig ist, gilt der Inhalt als latent. Das bedeutet RezipientInnen bzw. KodiererInnen nutzen hier einen größeren Interpretationsspielraum für die Bedeutungszuweisung.

Quellen: nomos-elibrary nomos-elibrary.de: Visuelle Inhaltsanalyse. In: www.nomos-elibrary.de/10.5771/1615-634x-2012-3-341/visuelle-inhaltsanalyse-ein-vorschlag-zur-theoretischen-dimennnsionierung-der-erfassung-von-bildinhalten-jahrgang-60-2012-heft-3, (zuletzt aufgerufen am 30.12.20)

Müller, Geise 2015 Marion G. Müller, Stephanie Geise: Grundlagen der visuellen Kommunikation. München: UVK 2015