Wie Sie die perfekte Musik für Ihre Videoprojekte auswählen – Coleman

Unsere Besessenheit von Musik und die Intensität unserer emotionalen Reaktion auf sie verblüffen immer noch die Evolutionsforscher und viele andere Menschen, was zu verschiedenen Theorien über ihren Ursprung und ihre Rolle für Individuen und kollektive Gruppen führt. Einige dieser Theorien gehen davon aus, dass Musik nur eine Manifestation der immensen Vorliebe unseres Gehirns für Muster ist, während andere behaupten, dass wir unsere Liebe zur Musik von unseren Vorfahren geerbt haben, für die das gemeinsame Tanzen ein unglaublich wichtiges Mittel zur Förderung des sozialen Zusammenhalts und zur Bildung einer kollektiven Identität war. Die folgende Zusammenstellung ist von dem Autor Marques Coleman vom April 2021. Coleman arbeitete für einige Plattformen für die Erstellung von Inhalten in den Bereichen Bildung und Marketing. Viele seiner Projekte beinhalteten das Schreiben von kreativen Aufsätzen, akademische Forschung und Schreiben, Marketingforschung. Marques teilt sein Wissen über SEO und EdTech-Plattformen gerne mit allen Interessierten. Darüber hinaus schreibt er allgemeine Artikel zu Themen, die mit Kreativität und der Erstellung von Inhalten im Allgemeinen zu tun haben.

Unsere Beziehung zur Musik

Unabhängig von ihren geheimnisvollen Verbindungen zur menschlichen Natur begleitet uns die Musik unser ganzes Leben lang und wird allgemein als ein unglaublich mächtiges Element anerkannt, das ständig mit unserem Sinn für Ästhetik, unserer Stimmung und unserem kognitiven Zustand verhandelt und ihn beeinflusst. Wie in vielen Bereichen des künstlerischen Schaffens wird auch in der Videoproduktion Musik als ein wichtiger Bestandteil betrachtet, der ein Video “würzt”, ergänzt und aufwertet. Die Wahl des richtigen Musiktitels oder der richtigen Kombination von Klängen kann jedoch eine ziemlich schwierige Aufgabe sein, weshalb wir Ihnen gerne mit einigen Ratschlägen zur Seite stehen möchten.

Vorschläge für die Auswahl der richtigen Musik

Das Tolle an der Musik ist, dass praktisch jede Art von Aktivität oder Stimmung durch einen Song oder ein Musikgenre untermalt werden kann. Überlegen Sie zunächst, was Sie mit Ihrer Musik erreichen wollen. Möchten Sie eine nahtlose und angenehme musikalische Untermalung bieten, nur um die unangenehme Stille zu überbrücken, oder möchten Sie die Aufmerksamkeit des Publikums ausdrücklich auf ein musikalisches Motiv voller Originalität und Charakter lenken? Überlegen Sie, welche Stimmung oder Atmosphäre Sie erzeugen wollen und wie diese mit dem Inhalt oder der Botschaft des Videos zusammenpasst. Videos von Trainingseinheiten erfordern energiegeladene Musik mit starkem Fokus auf den Rhythmus, während Videos, in denen Meditation gelehrt wird, sanfte und monotone Musik oder beruhigende Naturgeräusche wie fließendes Wasser oder Vogelgezwitscher in einem Wald erfordern. Letztere eignet sich auch als Hintergrundmusik, um die Produktivität beim Lernen oder Arbeiten zu steigern.

Wenn Sie eine Bedeutungslücke zwischen dem Video und den eingebetteten Musiktiteln füllen, dem Betrachter eine bestimmte Perspektive vermitteln oder Ihren Videos einen sinnvollen Kontext hinzufügen möchten, können Sie dies mit Hilfe von schriftlichen Inhalten tun. Wenn Sie gute Texte benötigen, um Ihre Videos oder bestimmte Rubriken auf Ihrer Website zu begleiten, sollten Sie https://subjecto.com/essay-samples/ nutzen, um kostenlose Aufsätze zu einer großen Vielfalt von Themen zu erhalten. Stellen Sie sich vor, wie ein persönlicher Videoblog die Videos sorgfältig mit reflektierenden, inspirierenden oder informativen Aufsätzen verknüpft und den Leser auf mehreren Ebenen anspricht. Dieser Ansatz steht auch im Einklang mit den gängigen Praktiken im Unterricht/Bildung, die den Einsatz mehrerer Formate multimedialer Inhalte vorsehen, z. B. im Fremdsprachenunterricht oder bei anderen schülerrelevanten Inhalten.

Berücksichtigen Sie das Zielpublikum
Wenn das Ziel darin besteht, die Musikauswahl persönlicher zu gestalten, sollten Sie die folgenden Merkmale Ihres Publikums berücksichtigen, um eine bessere Zielgruppenansprache zu ermöglichen:

Psychologisches Porträt
Die Wissenschaft darüber, wie die Psychologie die Musikpräferenz beeinflusst, ist noch lange nicht vollständig erforscht. Betrachtet man die fünf großen Persönlichkeitsmerkmale (Extraversion, Gewissenhaftigkeit, Neurotizismus, Verträglichkeit, Offenheit für Erfahrungen), so scheint Offenheit für Erfahrungen das wichtigste Merkmal bei der Bestimmung der Musikpräferenz zu sein. Menschen mit dieser Eigenschaft sind eher bereit, sich auf neue Musikgenres einzulassen, wie Jazz, Folk, Blues, Rock, Heavy Metal oder Alternative. Gleichzeitig neigen sie eher dazu, den populärsten Formen der modernen Musik abgeneigt zu sein.

Alter
Was Menschen als angenehm und vor allem inspirierend empfinden, ist von Generation zu Generation sehr unterschiedlich. Die musikalischen Vorlieben der meisten Menschen ändern sich mit dem Alter erheblich. Dennoch bildet sich der Musikgeschmack der Angehörigen einer bestimmten Generation in verschiedenen Zeitabschnitten heraus, in denen bestimmte Musikströmungen, Bands und Künstler populär sind, was unweigerlich das Spektrum der Genres prägt, mit denen sich diese Generation vertraut fühlt und mit denen sie sich identifizieren kann. Außerdem hat jedes Alter sein eigenes Temperament – das Alter ist einer der vielen Faktoren, die das psychologische Porträt einer Person prägen. So neigen Jugendliche beispielsweise eher zu rebellischer Musik und rebellischen Texten, während Menschen im fortgeschrittenen Alter eher harmonische Melodien mögen.

Kultureller Hintergrund
Dies hat mit der Mentalität der Gesellschaften, Gemeinschaften, Familien und sozialen Schichten zu tun, denen die Zuschauer angehören. Sind diese kosmopolitisch oder historisch konservativ und sehr authentisch? Ist der Kampf um Freiheit oder andere wichtige Herausforderungen, Tugenden, Momente des Ruhms oder Gründe für Stolz ein Bestandteil der jeweiligen Kultur?

Ethnizität
Jede Ethnie hat ihre eigenen etablierten musikalischen Motive, die sich im Laufe der Zeit herauskristallisiert haben und in den Köpfen ihrer Mitglieder verankert sind. Diese Motive lösen bei den Vertretern der entsprechenden Ethnien mit großer Wahrscheinlichkeit starke emotionale Zustände aus, die sich unter bestimmten Umständen (z. B. wenn man weit weg von zu Hause ist) noch verstärken.

Wie viel Selbstdarstellung ist in Ordnung?
Wollen Sie mutig sein oder lieber auf Nummer sicher gehen, indem Sie sehr bekannte und allgemein anerkannte Titel auswählen? Inwieweit wird die Musik Ihr eigenes Verständnis, Ihre Gefühle und Ihre Einstellung widerspiegeln? Wenn es um kreative Videos geht, ist das Verstehen und Erleben der Perspektive des Autors oft die Hauptmotivation für den Betrachter. Daher ist die Vermittlung einer aufrichtigen und aufschlussreichen Ich-Perspektive der Schlüssel zum Erfolg. Natürlich gibt es auch Kategorien von Videos, die per Definition unpersönlich sind und in denen Selbstdarstellung fehl am Platz ist.

Abschließende Überlegungen
Wir alle wissen aus den vielen Jahrzehnten der Kinematographie (beginnend mit der Ära der Stummfilme), aber auch aus der Fülle digitaler Inhalte, die im Internetzeitalter entstanden sind, wie Musik Videos aufwerten kann. Eine passende musikalische Untermalung kann ein Video ansprechender, aussagekräftiger und inspirierender erscheinen lassen. Daher ist dies ein Aspekt, den die Videoproduzenten einfach nicht ignorieren können.

Glücklicherweise ist die Freiheit des Ausdrucks, die durch die riesige Sammlung von Musiktiteln und Soundbibliotheken heutzutage möglich ist, praktisch grenzenlos. Die Auswahl auf nur ein paar Titel aus einer so umfangreichen Sammlung zu beschränken, kann eine gewisse Herausforderung darstellen. Aber wenn man sich darüber im Klaren ist, welche Wirkung beabsichtigt ist und wer sie unter welchen Umständen hören wird, kann man die richtigen Entscheidungen treffen.

Quelle: http://blog.sound-ideas.com/2021/04/16/how-to-pick-the-perfect-music-for-your-video-projects/

Die Rolle von Atemgeräuschen im Filmton

“Nachdem ich in der letzten Zeit an einem fiesen Atemwegsvirus gelitten habe, habe ich einigen Leuten gegenüber gescherzt, dass mein neues Hobby darin besteht, “zu versuchen, normal zu atmen”, und das ist nicht weit von der Wahrheit entfernt. Ich mag ADR genauso wenig wie die meisten Leute, aber wenn ich jemanden treffe, der sagt, er wolle absolut keine ADR in seinem Film, beiße ich mir immer auf die Lippe, denn es gibt fast immer ADR, auch wenn es keine Worte sind. Ich spreche nicht nur von Atemzügen, es gibt auch “Bemühungen” und/oder nicht-dialogische Reaktionen, die während der Dreharbeiten einfach nicht eingefangen werden konnten (z. B. wenn ein Stuntman den Helden doubelt), aber Atemzüge sind interessant und ich würde gerne mehr darüber sprechen…

Mal abgesehen von Darth Vader: Wann hört man eigentlich in der realen Welt das Atmen, wenn man mal darüber nachdenkt? Am deutlichsten sind die Atemzüge bei Anstrengung zu hören, und auch wenn einige Action- und/oder Horrorfilme nicht sehr dialoglastig sind, können Sie sicher sein, dass die Dialogredakteure damit beschäftigt sind, ADR-Atemzüge zu cuen und zu schneiden (wir haben vor einigen Jahren einen Film gedreht, bei dem ein Atem-Double verwendet wurde, weil der Schauspieler so teuer war!), aber natürlich ist die Arbeit mit Atemzügen ein wichtiger Bestandteil jeder Dialogbearbeitung….

Aber viele der anderen Atemgeräusche, die man hört, sind oft in ruhigen, intimen Momenten zu hören, und im Kino mit Filmton ist es meiner Meinung nach wichtig, sich an zwei Dinge zu erinnern: In einer Nahaufnahme sind wir SEHR nah an einem Schauspieler dran, und auf einer großen Leinwand finden subtile Geräusche ihren Platz, aber zweitens können Atemgeräusche (und Geräuschkulisse) eine wichtige Rolle dabei spielen, Nähe zu schaffen und den Zuschauer in diese Intimität zu versetzen, und sie erinnern ihn unbewusst an seine eigenen Erfahrungen, wenn er den Atem einer anderen Person hört…

Natürlich ist der Atem die Essenz des Lebens & dementsprechend können Sie sicher sein, dass der Held, wenn er auf der Intensivstation landet, DEFINITIV an einem Beatmungsgerät hängen wird, was die ständige akustische Funktion hat, uns daran zu erinnern, dass das Leben in der Schwebe hängt….

Atemgeräusche sind ebenfalls ein wichtiger Aspekt des Stimmdesigns von Kreaturen – hier gibt es einen guten Hinweis auf die Entstehung von Atemgeräuschen, wobei es drei “normale” Atemgeräusche gibt: Bronchialgeräusche (wie beim Menschen), bronchovesikuläre Geräusche (wie bei Schafen, Ziegen, Lamas und Alpakas) und vesikuläre Geräusche (die je nach Art und Aktivität sehr unterschiedlich sind).

Als ich an Black Sheep arbeitete, waren die Atemzüge ein wichtiger Teil der Bedrohung durch ein drei Meter großes Wer-Schaf. Wir haben ADR-Aufnahmen der Atemgeräusche gemacht, und zwar mit dem so genannten “Kongilizer”, einer Echtzeit-Tonhöhenverschiebung (mit einem PT TDM-Plugin), so dass der Darsteller sich selbst um 3-8 Halbtöne tiefer hört. Durch die Arbeit mit 96 kHz und einem Sennheiser MH8000-Mikrofon, das Töne bis zu 50 kHz aufnehmen kann, ist die Auflösung immer noch sehr hoch und die Körnigkeit gering, aber das Wichtigste ist, dass der Musiker reagiert und spielt, so wie ein Gitarrist anders spielt, wenn ein Verzerrerpedal verwendet wird.
Ich nahm die Atemzüge und bearbeitete sie zunächst, um die bestmögliche Performance zu erzielen, und druckte dann eine Version davon durch meinen DBX Subharmonic-Synthesizer, wobei ich die Verstärkung erhöhte und die untere Oktave plus Obertöne aufnahm…. Das Endergebnis war wirklich beängstigend: Die Atemzüge der Kreaturen hatten ein Gewicht, das nur von einer großen, wilden Lungenkapazität erzeugt werden konnte!

Darth Vader ist wohl das Nonplusultra in Sachen charaktervoller Atmung. Laut Wikipedia wurde die schwere Atmung von Darth Vader durch die Aufnahme von Ben Burts eigener Atmung in einem alten Dacor-Tauchregler erzeugt. Aber welche anderen berüchtigten Atmer hat es im Film gegeben?”

– tim (Autor bei Music of sound)

The Role of Breaths in Film Sound

Vintage Motorcycle Sound Effects

Der Sounddesigner Randy Torres (Tenet, Dunkirk) hat sich mit dem Fotografen und Motorradenthusiasten Todd Blubaugh zusammengetan, um drei Harley Davidson Motorräder aus den Jahren 1936, 1950 und 1976 aufzunehmen. Sie arbeiteten mit dem Tontechniker Eric Potter (Ford gegen Ferrari, Interstellar) zusammen, der bereits für preisgekrönte Soundkünstler wie Mark Mangini und Richard King aufgenommen hat. Das Team verbrachte einen der heißesten Tage des Jahres damit, die Motoren aus verschiedenen Blickwinkeln zu filmen, im Leerlauf, mit Auspuff und Reifen und sogar bei speziellen Fahrmanövern, Überholvorgängen und Beschleunigungen.

Die Motorräder, die aufgenommen wurden, sind einzigartig – die Library enthält eine Auswahl von drei sehr unterschiedlichen Vintage Custom American Choppers. Die meisten amerikanischen Motorräder haben einen eigenen Sound, aber diese speziellen Motorräder sind Unikate, die alle ihren eigenen Charakter haben. Es wurde versucht, so viele Manöver wie möglich mit einem großartigen Satz von Onboard-Mehrkanalaufnahmen durchzuführen. Einige Leute werden die Aufnahmen einfach als das genießen, was sie sind, aber sie werden auch in Filmen, Werbespots und Podcasts nützlich sein.

Alle Außenaufnahmen wurden mit einem Neumann RSM 191 sowie einem Scheops CCM4 & CCM8 Mid-Side Array für verschiedene Perspektiven gemacht. Die Aufnahmen an Bord wurden mit DPA4060 Lavalier-Mikrofonen mit einem 4-Kanal-Mehrkanal-Setup gemacht. Alles wurde bei 96K mit einem Sound Devices 788 aufgenommen.

Quelle: https://blog.prosoundeffects.com/recording-vintage-motorcycle-sound-effects-in-the-desert

DIY Mikrophon


In diesem Video werden wird ein komplettes DIY-Mikrofon gebaut, das nicht nur eine unglaublich einzigartige Retro-Ästhetik hat, sondern auch komplett eigenständig ist, mit einem eingebauten Shock Mount, einem einstellbaren Boom-Arm-Vorverstärker und einer USB-Typ-C-Schnittstelle. Da es sich um ein DIY-Projekt handelt, bietet es natürlich auch eine erstklassige Klangqualität, die so gut ist, dass es mit professionellen Mikrofonen konkurrieren kann, die buchstäblich 30 Mal so viel kosten.

Die Entwicklung von Mikrofonen ist eher eine Kunst als eine Wissenschaft, weshalb professionelle Modelle oft Tausende von Dollar kosten können und manche noch Jahrzehnte nach ihrem Debüt verehrt werden. Natürlich gibt es auch billige Mikrofone in den Geräten, die wir täglich benutzen, aber ihre Klangqualität lässt zu wünschen übrig, wenn es um etwas anderes als Kommunikation geht. Das liegt zum Teil an den Einschränkungen, die sich aus der Größe ihrer Mikrofonkapseln ergeben, die in der Regel viel kleiner sind als bei professionellen Geräten. Bemerkenswerterweise sind einige dieser großen Kapseln jedoch gar nicht so teuer, und es ist möglich, genau die gleiche Kapsel, die in einem 500-Dollar-Mikrofon steckt, für nur 12 Dollar direkt vom Hersteller zu kaufen, was eine enorme Ersparnis ist, wenn wir das Signal so gut verarbeiten können wie die ursprünglichen Schaltungsleser. Bei dieser Kapsel handelt es sich um eine JLI 25 55, die permanent polarisiert ist, was es ziemlich einfach macht, ein Tonsignal zu erhalten, weil den Bauprozess erheblich vereinfacht, da die Membranen in Mikrofonen dieses Typs einen so schwachen Ausgang haben, dass dieser Ausgang erst verstärkt werden muss, bevor man etwas damit machen kann. Bei vielen kleinen Kapseln wird diese zusätzliche Verstärkung durch einen internen Transistor erreicht, der auf eine Platine auf der Rückseite gelötet ist, aber das viel größere JLI-Mikrofon überlässt es dem Designer, ihn hinzuzufügen, vermutlich um es individuell anzupassen.

Ein weiterer Punktist, die Kapslen vor Störgeräuschen zu schützen. Da das Ziel darin besteht, die Kapsel von Tischgeräuschen zu isolieren, ist ein normales Audiokabel für die Verkabelung dieser Beine nicht geeignet, da selbst dünne Kabel viel zu steif sind und Vibrationen direkt in die Kapsel übertragen werden, die dann sehr gut hörbar werden.

Das Video zur Bauanleitung kann sich hier angeschaut werden:

Quelle: DIY Perks – Building a quality USB-C Microphone

HOW MUSEUMS USE MUSIC TO DRAW IN NEW AUDIENCES

In a previous article I talked about businesses bringing in new audiences by creating impressionable soundscapes in their offices, but what is going on when it comes to museums? Soundscapes and sound installations are being used more and more to present important and relevant topics/exhibitions in museums.

Giles Martin- the son of Sir George Martin, Beatles’ notorious producer, created an experience with a new Dolby Atmos mix that brought back into the world that was created in Abbey Road studios. This event showed visitors a new angle of Beatles’ greatest hits. The succeed of this event definitely lead to an increase of popularity in immersive sound experiences, with which we can explore both art and history in a fascinating new way. These experiences can offer a unique and interesting way to learn about the past. 

The Grammy Museum in LA opened up a new exhibition  called “Mono to Immersive Experience Room” in which visitors can relive the most famous performances of the Grammys. This audio-visual experience takes visitors on a journey from the 19th century phonographs to the immersive sound of Today. One can explore the most important parts of music history and experience how technology progressed with time.

One of the most innovative experiences was done by the London Design Museum that went on from April to July 2020. It was designed to “transport” visitors into the Nightclubs of cities with a famous rave culture (e.g. Berlin, Detroit, Paris). It used a combination of music, strobe and flashing lights in order to create a club atmosphere.The experience called “Electronic” was using all these techniques to allow visitors to explore the art, design and photography that captured and shared the electronic music atmosphere. 

The exhibit features works from some of the most famous techno artists like Jeff Mills and Ellen Alien, along with BBC’s radiophonic workshop. It also features photography from a famous german event photographer Andreas Gursky, as well as the work of French DJ Laurent Garnier. The following video  gives a bit more detail from interviews and insight on the projects mentioned here.

Resources

https://www.soundoflife.com/blogs/design/how-museums-use-music-draw-new-audiences

CMYK Project Work – Updates

The semester is coming to an end and by now, all Projects should be brought to an end and result should already be visible. For my project experiment part 1, I have finished collecting data from 30 test subjects. As mentioned in a previous post, there was a training process that had to be done for my specific experiment. The subjects all watched a training video for 20 days. Before the first video and the last one, they were asked to do a synesthesia test on Synesthesia.com . Afterwards, I sent one of my 4 tracks to each of the participants. I made sure to have approximately the same amount of answers for each track. So far I have not interpreted all data, but based on the synesthesia test, I am getting mixed results, from a very slight improvement, to a significant improvement. After analysing the answers to the questionnaires, I will see how much that change in answers impacts the real world answers. I presume that the real world presentation will have slightly better results than the test itself. In this article I want to explain what I did with the video and how I presented the songs. Each song was called “Track” with number extensions from 1 to 4. The numbers were mixed that they do not correspond to the order of the songs. Here is my training video to show you how it looked like. The subjects were instructed to watch it once a day for the duration of the test in hopes that it will train their brain for better synesthetic perception.

The Aphex Face

Aphex Twin is one of the most influential and important contemporary electronic musicians.

He is famous for his experimentations for for his unique style, where he combines elements from all kind of genres, mainly electronic genre, using atypical solutions/rythms to create a song.

His face, grinning or distorted, is a theme of his album covers, music videos and songs. He said it began as a response to techno producers who concealed their identities, as he stated:

“I did it because the thing in techno you weren’t supposed to do was to be recognized and stuff. The sort of unwritten rule was that you can’t put your face on the sleeve. It has to be like a circuit board or something. Therefore I put my face on the sleeve. That’s why I originally did it. But then I got carried away.”

He even put it on a song. On the second track, easily called just “Formula”, from the album Windowlicker, if we open it with a Spectrogram visualizer we will be able to see his face with his typical grin.

Even if it looks like something really hard to do it. At that time, 1999, there was a Windows program called Coagula that could transform any picture into soundwaves with minimum effort. Aphex Twin himself had used a Mac program called Metasynth to do his images.

He used the same technique to the first track of the album with this aural image.

This was also something that some other artists made on the same year, here some other example:

  • Plaid3Recurring

  • Venetian Snares Look

Resources

Wikipedia – Aphex Twin

Coagula – https://www.abc.se/~re/Coagula/Coagula.html

Bastwood – The Aphex Face

Atau Tanaka

Atau Tanaka is a composer and performer of live computer music and, at the same time, Digital Media professor at Newcastle University.

He was born in Tokyo but he soon moved with his family to America where he then studied Biochemistry and, later music.

At Stanford he studied Computer Music and then continued research at the IRCAM in Paris. Later he was Artistic Ambassador for Apple France, then researcher at Sony Computer Science Laboratory Paris, and was an Artistic Co-Director of STEIM ( Studio for Electro-Instrumental Music) in Amsterdam.

Tanaka had the fortune of attending lectures by John Cage, who according to him was one of the first musicians to have a strong conceptual approach. 

As Tanaka says “He made contact with the visual art world”.

His research is in embodied musical interaction. Also intersection of human computer interaction and gestural computer music performance.

This includes the use of physiological sensing technologies, muscle tension in the electromyogram signal, and machine learning analysis of this data.

On the other hand, he studies user experience through ethnographic methods of participatory design where activities of workshopping, scenario building, and structured brainstorming lead an understanding of a mediums affordances in bottom-up, emergent ways.

EAVI (Embodied AudioVisual Interaction) is a research group of which Atau belongs, which focuses on embodied interaction with sound and image. This group carries out research across topics including motion capture, eye tracking, brain computer interfaces, physiological bio-interfaces, machine learning, and auditory culture.

Another group that features Atau Tanaka is Sensorband, a trio of musicians using interactive technology. Gestural interfaces – ultrasound, infrared, and bioelectric sensors as musical instruments.  The other two members are Edwin van der Heide and Zbigniew Karkowski.

Atau plays the BioMuse, a system that tracks neural signals (EMG), translating electrical signals from the body into digital data.

Edwin plays the MIDIconductor, machines worn on his hands that send and receive ultrasound signals, measuring the hands’ rotational positions of and relative distance. 

Zbigniew activates his instrument by the movement of his arms in the space around him. This cuts through invisible infrared beams mounted on a scaffolding structure. 

They literally bring a visceral physical element to interactive technologies. 

He also did many installations, one of them is Global String, launched this installation in Rotterdam’s fifth bi-annual Dutch Electronic Arts Festival and made in cooperation with the Ars Electronica Center in Linz

Global String is a multi-site network music installation, connected via the internet, It is a musical instrument where the network is the resonating body of the instrument, by use of a real time sound synthesis server.

As he stated: 

“The concept is to create a musical string (like the string of a guitar or violin) that spans the world. Its resonance circles the globe, allowing musical communication and collaboration among the people at each connected site. The installation consists of a real physical string connected to a virtual string on the network. The real string (12 millimetres in diameter, 15 metres in length) stretches from the floor diagonally up to the ceiling of the space. On the floor is one end-the earth. Up above is the connection to the network, to one of the other ends somewhere else in the world. Vibration sensors translate the analog pulses to digital data. Users strike the string, making it vibrate.”

Here are some link to other works:

Bondage (Sonification and remix of a photo by Araki)

Biomuse (Biosignal sensor instrument performance)

Myogram (8 channel sonification of muscular corporeal states)

References

ataut.net

Music Hackspace – Atau Tanaka: Making music with muscle sensors

Goldsmiths University of London – Prof Atau Tanaka

Cafe Oto – Atau Tanaka

V2_Lab for the Unstable Media – Global String

V2_Lab for the Unstable Media – About Atau Tanaka

EUKLIDISCHER RHYTHMUS – Part II – Praxis

In diesem zweiten Teil zum euklidischen Rhythmus möchte ich den Music Pattern Generator und XronoMorph kurz vorstellen.

Music Pattern Generator

Der Music Pattern Generator ist eine kostenlose Webanwendung zur Erstellung musikalischer Rhythmusmuster, welche von Wouter Hisschemöller programmiert wurde. Die Patterns werden durch animierte Grafiken dargestellt, die es einfach machen, komplexe Polyrhythmen zu erstellen und zu verstehen.

Der Music Pattern Generator überträgt seine Patterns als MIDI-Daten, so kann man die App leicht in andere Musiksoftware und -hardware integrieren. Es gibt ihn als Webanwendung, als auch als Installationsprogramm, um die App auch als reguläre Desktop-Anwendung zu verwenden.

Auf dem Github des Programmieres findet man alle nötigen Informationen zum Download und zur Anwendung.

Hier eine kurze Einführung zum Music Pattern Generator

Der MPG in Verbindung mit externer Hardware

Download:

Online Application

Download

User Guide

XronoMorph

XronoMorph ist eine kostenlose macOS- und Windows-App zur Erstellung mehrschichtiger rhythmischer und melodischer Loops (Hockets). Jede rhythmische Schicht wird als ein in einen Kreis eingeschriebenes Polygon visualisiert, und jedes Polygon kann nach zwei verschiedenen mathematischen Prinzipien konstruiert werden: perfekte Balance und Wohlgeformtheit (auch bekannt als MOS). Diese Prinzipien verallgemeinern Polyrhythmen, additive und euklidische Rhythmen. Darüber hinaus können die Rhythmen nahtlos ineinander übergehen, und auch irrationale Rhythmen ohne regelmäßigen Puls können leicht konstruiert werden. Die Patterns lassen sich sowohl als Midi als auch Audio-Datei exportieren.

Einführung in XronoMorph:

XronoMorph: An Introduction

Perfectly Balanced Rhythms

“Ein Rhythmus oder eine Skala kann als Punkte auf einem Kreis dargestellt werden. Der Rhythmus ist perfekt ausbalanciert, wenn die mittlere Position (Schwerpunkt) dieser Punkte in der Mitte des Kreises liegt.

Komplexe, perfekt ausbalancierte Rhythmen können durch die Addition einer beliebigen Anzahl von einfacheren, perfekt ausbalancierten “Elementar”-Rhythmen erzeugt werden. XronoMorph enthält eine Vielzahl dieser elementaren, perfekt ausbalancierten Muster.”

perfectly balanced rhythms

Well-formed Rhythms

„Well-formed Rhythms (auch MOS genannt) enthalten zwei Schlaggrößen, die so angeordnet sind, dass der Rhythmus so gleichmäßig wie möglich ist. Jeder dieser Rhythmen hat einen übergeordneten Rhythmus, der die ursprünglichen Beats in zwei neue Größen aufteilt. Auf diese Weise lässt sich eine komplexe, verschachtelte Hierarchie von Rhythmen erstellen.

Well-formed Rhythms sind eine Obermenge der euklidischen Rhythmen. Sie umfassen zum Beispiel auch Rhythmen ohne regelmäßigen Puls.“

Well-formed rhythms

Quellen:

Hischemöller, Wouter. „Wouter Hisschemöller Music Pattern Generator v2.1“. Zugegriffen 15. Dezember 2021. https://www.hisschemoller.com/blog/2019/music-pattern-generator-v2-1/.

Hisschemöller, Wouter. „Music Pattern Generator“. Zugegriffen 15. Dezember 2021. https://www.hisschemoller.com/mpg/.

Hisschemöller, Wouter. Music Pattern Generator. JavaScript, 2021. https://github.com/hisschemoller/music-pattern-generator.

Milne, Andy. „XronoMorph: Loop generator“. dynamic tonality, o. J. https://www.dynamictonality.com/xronomorph.htm.

Milne, Andrew, Steffen Herff, David Bulger, William Sethares, und Roger Dean. „XronoMorph: Algorithmic generation of perfectly balanced and well-formed rhythms“, 2016. https://www.researchgate.net/publication/302345911_XronoMorph_Algorithmic_generation_of_perfectly_balanced_and_well-formed_rhythms.

SOUNDS OF

Sounds of ist ein Format in dem verschiedenste Künstler*innen, Foley Sounds an besonderen Plätzen sammeln und danach ins Studio gehen und daraus einen neuen Song machen.

Sounds of Trailer

Über Sounds of:

Ursprünglich ist das Format von Fynn Kliemann und dem Kliemannsland initiiert und auch moderiert worden. Die ersten Videos wurden noch im alten Studio des Kliemannsland aufgenommen. Mittlerweile wird das Format von Nisse Ingwersen moderiert und gehört zu Funk dem Content-Netzwerk der öffentlich rechtlichen Sender ARD und ZDF, wird jedoch immer noch vom Kliemannsland produziert.

Die Folgen laufen immer so ab, dass die Künstler*innen an einen von ihnen ausgewählten, besonderen Ort gehen und dort die Atmosphäre mittels Recorder als Foley Sounds aufnehmen. Danach bekommt man einen Einblick in die Produktion der neuen Songs und kann auch persönlichen Geschichten lauschen. Die Zuschauer bekommen auch immer wieder Tipps für eigene Produktionen.

Community:

Das tolle an dem Format ist, dass man sich auch als Zuschauer alle Sounds downloaden kann. So bekommt man zum Beispiel aus der Folge mit Severin Kantereit einzigartige Aufnahmen aus Äthiopien.

Die Zuschauer werden selbst dazu aufgefordert, nur mit den Sounds aus den Folgen neue Tracks zu produzieren. Diese können an das Kliemannsland geschickt werden und werden dann auf der SoundCloud Playlist veröffentlicht.

Sounds of Äthiopien

In einer Folge, war Nisse mit Deichkind sogar in der Hamburger Elbphilharmonie:

Sounds of Elbphilharmonie Hamburg

Quellen:

Funk. „soundsof“. funk. Zugegriffen 8. Januar 2022. https://www.funk.net/channel/soundsof-12144.

Kliemannsland GmbH. „Sounds of“. kliemannsland. Zugegriffen 8. Januar 2022. https://www.kliemannsland.de/blogs/soundsof?page=3.

soundsof. „soundsof – YouTube“. Zugegriffen 8. Januar 2022. https://www.youtube.com/.