Author: Tobias Bettke

Im folgenden sind die Ideen und die Vorträge in Notizen niedergeschrieben, um Sie für spätere Überlegungen festzuhalten. Die Vorlesungen mit den Professoren fanden kurz vor Corona statt.

Prof. Dr. Raymond MacDonald

What is music, health and wellbeeing – and why is it important?

Prof MacDonald ging nach einer improvisierten Saxophoneinlage zunächst auf das musikalische Verständnis ein. Dazu versuchte er zu vermitteln, dass jeder musikalisch sei. Als Beispiel zeigte er z.B. ein Video von zwei Kleinkindern, welche noch nicht sprechen konnten, sich jedoch musikalische Laute zur Verständigung nutzen, mit Elementen wie Tempo- und Pitchsynchronisation. Anschließend ging er darauf ein, dass jeder Mensch Musik mit seinen eigenen Ohren hört, und jeder seine eigene Interpretation hinzufügt, da es jeder durch kulturelle und persönliche Einflüsse geprägt ist. Musik ist dadurch auch eine Schlüsselrolle für die Identitätsfindung.

Danach ging MacDonald auf die Schmerzlindernden Effekte der Musik ein (Eiswasser – Hand – Experiment), welche im Krankenhausumfeld zustande kamen ein, da z.B. durch die emotionale Bindung an ein Stück eine Ablenkung entsteht. Dadurch lässt sich eine untrennbare Verbindung zwischen Bewegung und Musik erkennen. Zur Musik als Kommunikation erwähnte er, dass beim Sprechen nur einer reden kann, beim Improvisieren(Musizieren) kann jeder gleichzeitig spielen und sich abstimmen. Daher ist gemeinsames Musizieren sehr wichtig für die sozialen Aspekte und die Gruppendynamik sehr wichtig, eine Art Kommunikation. Als Hauptstützpunkte seines Vortrages spezifizierte er Music Education, Music Everyday uses, Music Community und Music Therapy. Zuletzt zeigte und analysierte MacDonald eigene Aufnahmen seiner Töchter, die bekannte britische Volkslieder singen, jedoch in völlig falschen Tonhöhen, wobei das Lied trotzdem erkennbar bleibt. Er analysierte anhand seiner Punkte die Aufnahmen und verdeutlichte dadurch diese.

Alison Short

Using music to improve music in Emergency rooms

Der Focus bei diesem Vortrag lag bei “Auditory environment” and “music therapy”, also die auditive Umgebung und Musiktherapeutischen Effekte in Krankenhausumgebung. Sinn dieser Forschungen ist, die grundsätzliche Befriedigung zu verbessern, da viele Menschen die Lautstärke einfach ertragen. In Krankenhäusern ist die Lautstärke durch den Alarm von Geräten oder Schichtwechseln sehr hoch und kann vorallem in der Notaufnahme sehr laut werden. Die Durchschnittslautstärken wurden in verschiedenen Krankenhäusern gemessen (Durchschnitt 64dB (normal 55dB)), wobei diese vorallem als kurze, scharfe und laute geräuschen

definiert werden. Außerdem verursachen mehr Leute auch mehr Geräuschpegel, wodurch bei Schichtwechseln oder in vollen Warteräumen die Lautstärke zum Teil unbewusst sehr hoch ist. In den von Alison Short durchgeführten Studien sollte herausgefunden werden, ob Musik in Krankenhäusern gespielt werden sollte und wenn ja welche. Diese sollte vorallem eine beruhigende und entspannte Athmosphäre schaffen. Herausgefunden wurde, dass Musik in Warteräumen einen positiven Effekt aufweisen kann, ein weiter Vorteil ist, das Musik einen Therapeutischen Aspekt hat, ohne einen anwesenden Musiktherapeuten.

Clarence Barlow

Algorithmic Compositions 

Clarence Barlow ist ein Musiker/Mathematiker, der versucht seine Werke ausschließlich durch Algorithmen zu erstellen. Dazu gehört zum Beispiel die Verbindung von Buchstaben und Noten/Klaviertasten um Textmusik zu erstellen. Daraus konnte er mit Textsoftware Briefe schreiben lassen, die auch die Tonarten mit einbeziehen. Er versucht außerdem die Verträglichkeit von Tönen im Bezug auf Verhältnisse zu untersuchen und geht da bei vorallem auf „Indegestibility“ und „Harmonicity“ ein. Also Musik die gut, oder weniger harmonisch klingt, hauptsache interessant. Barlow erstellte ein Programm namens Autobusk, welches autonom Musik in Midinoten schreiben kann, und entwickelte einige Schemata nach denen dann die Stücke komponiert werden, geht dabei aber oft nach wichtigen Mathematischen Folgen oder Algorithmen. Zuletzt berichtete er noch etwas über seine Forschung über die „Analysis of whitenoise“ und warum nicht jede Frequenz darin enthalten ist, und das multidimensional scaling, mit Karten von Klarinettenspielern.

Hand-Held Recorders

Zoom H2N ($159 USD)

Zoom H4N Pro ($199.99 USD)

iPhone Microphones

Shure MV88 ($149.99 USD)

Zoom IQ7 ($99.99 USD)

Non-Acoustic Microphones (Kontakt Mikrophon)

DIY (Almost Free)

Buy (Price Varies)

Software Synthesizers

Izotope Iris 2 ($149 USD)

Serum Wavetable ($189 USD)

Hardware Synthesizers

Teenage Engineering Pocket Operators (From $49 USD)

Korg Volca Series (Pricing Varies)

Headphones

In-Studio: Audio Technica ATH-M50x or Beyerdynamic DT 990 PRO ($149 / $179 USD)

Field Recording: Sennheiser HD 25 or AKG K240 MKII ($199 / $149 USD)

Knowledge

Books: Sound Design by David Sonnenschein or The Foley Grail by Vanessa Theme Ament ($13.71 /  $32.39 USD)

Masterclass: Hans Zimmer or Deadmau5 ($100 USD)

Magazine: Sound On Sound Subscription (From $47.50 USD)

Quelle: James Fensom & Erin Dunt, http://blog.sound-ideas.com/2017/12/11/2017-top-10-sound-designer-gift-guide/

Unsere Besessenheit von Musik und die Intensität unserer emotionalen Reaktion auf sie verblüffen immer noch die Evolutionsforscher und viele andere Menschen, was zu verschiedenen Theorien über ihren Ursprung und ihre Rolle für Individuen und kollektive Gruppen führt. Einige dieser Theorien gehen davon aus, dass Musik nur eine Manifestation der immensen Vorliebe unseres Gehirns für Muster ist, während andere behaupten, dass wir unsere Liebe zur Musik von unseren Vorfahren geerbt haben, für die das gemeinsame Tanzen ein unglaublich wichtiges Mittel zur Förderung des sozialen Zusammenhalts und zur Bildung einer kollektiven Identität war. Die folgende Zusammenstellung ist von dem Autor Marques Coleman vom April 2021. Coleman arbeitete für einige Plattformen für die Erstellung von Inhalten in den Bereichen Bildung und Marketing. Viele seiner Projekte beinhalteten das Schreiben von kreativen Aufsätzen, akademische Forschung und Schreiben, Marketingforschung. Marques teilt sein Wissen über SEO und EdTech-Plattformen gerne mit allen Interessierten. Darüber hinaus schreibt er allgemeine Artikel zu Themen, die mit Kreativität und der Erstellung von Inhalten im Allgemeinen zu tun haben.

Unsere Beziehung zur Musik

Unabhängig von ihren geheimnisvollen Verbindungen zur menschlichen Natur begleitet uns die Musik unser ganzes Leben lang und wird allgemein als ein unglaublich mächtiges Element anerkannt, das ständig mit unserem Sinn für Ästhetik, unserer Stimmung und unserem kognitiven Zustand verhandelt und ihn beeinflusst. Wie in vielen Bereichen des künstlerischen Schaffens wird auch in der Videoproduktion Musik als ein wichtiger Bestandteil betrachtet, der ein Video “würzt”, ergänzt und aufwertet. Die Wahl des richtigen Musiktitels oder der richtigen Kombination von Klängen kann jedoch eine ziemlich schwierige Aufgabe sein, weshalb wir Ihnen gerne mit einigen Ratschlägen zur Seite stehen möchten.

Vorschläge für die Auswahl der richtigen Musik

Das Tolle an der Musik ist, dass praktisch jede Art von Aktivität oder Stimmung durch einen Song oder ein Musikgenre untermalt werden kann. Überlegen Sie zunächst, was Sie mit Ihrer Musik erreichen wollen. Möchten Sie eine nahtlose und angenehme musikalische Untermalung bieten, nur um die unangenehme Stille zu überbrücken, oder möchten Sie die Aufmerksamkeit des Publikums ausdrücklich auf ein musikalisches Motiv voller Originalität und Charakter lenken? Überlegen Sie, welche Stimmung oder Atmosphäre Sie erzeugen wollen und wie diese mit dem Inhalt oder der Botschaft des Videos zusammenpasst. Videos von Trainingseinheiten erfordern energiegeladene Musik mit starkem Fokus auf den Rhythmus, während Videos, in denen Meditation gelehrt wird, sanfte und monotone Musik oder beruhigende Naturgeräusche wie fließendes Wasser oder Vogelgezwitscher in einem Wald erfordern. Letztere eignet sich auch als Hintergrundmusik, um die Produktivität beim Lernen oder Arbeiten zu steigern.

Wenn Sie eine Bedeutungslücke zwischen dem Video und den eingebetteten Musiktiteln füllen, dem Betrachter eine bestimmte Perspektive vermitteln oder Ihren Videos einen sinnvollen Kontext hinzufügen möchten, können Sie dies mit Hilfe von schriftlichen Inhalten tun. Wenn Sie gute Texte benötigen, um Ihre Videos oder bestimmte Rubriken auf Ihrer Website zu begleiten, sollten Sie https://subjecto.com/essay-samples/ nutzen, um kostenlose Aufsätze zu einer großen Vielfalt von Themen zu erhalten. Stellen Sie sich vor, wie ein persönlicher Videoblog die Videos sorgfältig mit reflektierenden, inspirierenden oder informativen Aufsätzen verknüpft und den Leser auf mehreren Ebenen anspricht. Dieser Ansatz steht auch im Einklang mit den gängigen Praktiken im Unterricht/Bildung, die den Einsatz mehrerer Formate multimedialer Inhalte vorsehen, z. B. im Fremdsprachenunterricht oder bei anderen schülerrelevanten Inhalten.

Berücksichtigen Sie das Zielpublikum
Wenn das Ziel darin besteht, die Musikauswahl persönlicher zu gestalten, sollten Sie die folgenden Merkmale Ihres Publikums berücksichtigen, um eine bessere Zielgruppenansprache zu ermöglichen:

Psychologisches Porträt
Die Wissenschaft darüber, wie die Psychologie die Musikpräferenz beeinflusst, ist noch lange nicht vollständig erforscht. Betrachtet man die fünf großen Persönlichkeitsmerkmale (Extraversion, Gewissenhaftigkeit, Neurotizismus, Verträglichkeit, Offenheit für Erfahrungen), so scheint Offenheit für Erfahrungen das wichtigste Merkmal bei der Bestimmung der Musikpräferenz zu sein. Menschen mit dieser Eigenschaft sind eher bereit, sich auf neue Musikgenres einzulassen, wie Jazz, Folk, Blues, Rock, Heavy Metal oder Alternative. Gleichzeitig neigen sie eher dazu, den populärsten Formen der modernen Musik abgeneigt zu sein.

Alter
Was Menschen als angenehm und vor allem inspirierend empfinden, ist von Generation zu Generation sehr unterschiedlich. Die musikalischen Vorlieben der meisten Menschen ändern sich mit dem Alter erheblich. Dennoch bildet sich der Musikgeschmack der Angehörigen einer bestimmten Generation in verschiedenen Zeitabschnitten heraus, in denen bestimmte Musikströmungen, Bands und Künstler populär sind, was unweigerlich das Spektrum der Genres prägt, mit denen sich diese Generation vertraut fühlt und mit denen sie sich identifizieren kann. Außerdem hat jedes Alter sein eigenes Temperament – das Alter ist einer der vielen Faktoren, die das psychologische Porträt einer Person prägen. So neigen Jugendliche beispielsweise eher zu rebellischer Musik und rebellischen Texten, während Menschen im fortgeschrittenen Alter eher harmonische Melodien mögen.

Kultureller Hintergrund
Dies hat mit der Mentalität der Gesellschaften, Gemeinschaften, Familien und sozialen Schichten zu tun, denen die Zuschauer angehören. Sind diese kosmopolitisch oder historisch konservativ und sehr authentisch? Ist der Kampf um Freiheit oder andere wichtige Herausforderungen, Tugenden, Momente des Ruhms oder Gründe für Stolz ein Bestandteil der jeweiligen Kultur?

Ethnizität
Jede Ethnie hat ihre eigenen etablierten musikalischen Motive, die sich im Laufe der Zeit herauskristallisiert haben und in den Köpfen ihrer Mitglieder verankert sind. Diese Motive lösen bei den Vertretern der entsprechenden Ethnien mit großer Wahrscheinlichkeit starke emotionale Zustände aus, die sich unter bestimmten Umständen (z. B. wenn man weit weg von zu Hause ist) noch verstärken.

Wie viel Selbstdarstellung ist in Ordnung?
Wollen Sie mutig sein oder lieber auf Nummer sicher gehen, indem Sie sehr bekannte und allgemein anerkannte Titel auswählen? Inwieweit wird die Musik Ihr eigenes Verständnis, Ihre Gefühle und Ihre Einstellung widerspiegeln? Wenn es um kreative Videos geht, ist das Verstehen und Erleben der Perspektive des Autors oft die Hauptmotivation für den Betrachter. Daher ist die Vermittlung einer aufrichtigen und aufschlussreichen Ich-Perspektive der Schlüssel zum Erfolg. Natürlich gibt es auch Kategorien von Videos, die per Definition unpersönlich sind und in denen Selbstdarstellung fehl am Platz ist.

Abschließende Überlegungen
Wir alle wissen aus den vielen Jahrzehnten der Kinematographie (beginnend mit der Ära der Stummfilme), aber auch aus der Fülle digitaler Inhalte, die im Internetzeitalter entstanden sind, wie Musik Videos aufwerten kann. Eine passende musikalische Untermalung kann ein Video ansprechender, aussagekräftiger und inspirierender erscheinen lassen. Daher ist dies ein Aspekt, den die Videoproduzenten einfach nicht ignorieren können.

Glücklicherweise ist die Freiheit des Ausdrucks, die durch die riesige Sammlung von Musiktiteln und Soundbibliotheken heutzutage möglich ist, praktisch grenzenlos. Die Auswahl auf nur ein paar Titel aus einer so umfangreichen Sammlung zu beschränken, kann eine gewisse Herausforderung darstellen. Aber wenn man sich darüber im Klaren ist, welche Wirkung beabsichtigt ist und wer sie unter welchen Umständen hören wird, kann man die richtigen Entscheidungen treffen.

Quelle: http://blog.sound-ideas.com/2021/04/16/how-to-pick-the-perfect-music-for-your-video-projects/

“Nachdem ich in der letzten Zeit an einem fiesen Atemwegsvirus gelitten habe, habe ich einigen Leuten gegenüber gescherzt, dass mein neues Hobby darin besteht, “zu versuchen, normal zu atmen”, und das ist nicht weit von der Wahrheit entfernt. Ich mag ADR genauso wenig wie die meisten Leute, aber wenn ich jemanden treffe, der sagt, er wolle absolut keine ADR in seinem Film, beiße ich mir immer auf die Lippe, denn es gibt fast immer ADR, auch wenn es keine Worte sind. Ich spreche nicht nur von Atemzügen, es gibt auch “Bemühungen” und/oder nicht-dialogische Reaktionen, die während der Dreharbeiten einfach nicht eingefangen werden konnten (z. B. wenn ein Stuntman den Helden doubelt), aber Atemzüge sind interessant und ich würde gerne mehr darüber sprechen…

Mal abgesehen von Darth Vader: Wann hört man eigentlich in der realen Welt das Atmen, wenn man mal darüber nachdenkt? Am deutlichsten sind die Atemzüge bei Anstrengung zu hören, und auch wenn einige Action- und/oder Horrorfilme nicht sehr dialoglastig sind, können Sie sicher sein, dass die Dialogredakteure damit beschäftigt sind, ADR-Atemzüge zu cuen und zu schneiden (wir haben vor einigen Jahren einen Film gedreht, bei dem ein Atem-Double verwendet wurde, weil der Schauspieler so teuer war!), aber natürlich ist die Arbeit mit Atemzügen ein wichtiger Bestandteil jeder Dialogbearbeitung….

Aber viele der anderen Atemgeräusche, die man hört, sind oft in ruhigen, intimen Momenten zu hören, und im Kino mit Filmton ist es meiner Meinung nach wichtig, sich an zwei Dinge zu erinnern: In einer Nahaufnahme sind wir SEHR nah an einem Schauspieler dran, und auf einer großen Leinwand finden subtile Geräusche ihren Platz, aber zweitens können Atemgeräusche (und Geräuschkulisse) eine wichtige Rolle dabei spielen, Nähe zu schaffen und den Zuschauer in diese Intimität zu versetzen, und sie erinnern ihn unbewusst an seine eigenen Erfahrungen, wenn er den Atem einer anderen Person hört…

Natürlich ist der Atem die Essenz des Lebens & dementsprechend können Sie sicher sein, dass der Held, wenn er auf der Intensivstation landet, DEFINITIV an einem Beatmungsgerät hängen wird, was die ständige akustische Funktion hat, uns daran zu erinnern, dass das Leben in der Schwebe hängt….

Atemgeräusche sind ebenfalls ein wichtiger Aspekt des Stimmdesigns von Kreaturen – hier gibt es einen guten Hinweis auf die Entstehung von Atemgeräuschen, wobei es drei “normale” Atemgeräusche gibt: Bronchialgeräusche (wie beim Menschen), bronchovesikuläre Geräusche (wie bei Schafen, Ziegen, Lamas und Alpakas) und vesikuläre Geräusche (die je nach Art und Aktivität sehr unterschiedlich sind).

Als ich an Black Sheep arbeitete, waren die Atemzüge ein wichtiger Teil der Bedrohung durch ein drei Meter großes Wer-Schaf. Wir haben ADR-Aufnahmen der Atemgeräusche gemacht, und zwar mit dem so genannten “Kongilizer”, einer Echtzeit-Tonhöhenverschiebung (mit einem PT TDM-Plugin), so dass der Darsteller sich selbst um 3-8 Halbtöne tiefer hört. Durch die Arbeit mit 96 kHz und einem Sennheiser MH8000-Mikrofon, das Töne bis zu 50 kHz aufnehmen kann, ist die Auflösung immer noch sehr hoch und die Körnigkeit gering, aber das Wichtigste ist, dass der Musiker reagiert und spielt, so wie ein Gitarrist anders spielt, wenn ein Verzerrerpedal verwendet wird.
Ich nahm die Atemzüge und bearbeitete sie zunächst, um die bestmögliche Performance zu erzielen, und druckte dann eine Version davon durch meinen DBX Subharmonic-Synthesizer, wobei ich die Verstärkung erhöhte und die untere Oktave plus Obertöne aufnahm…. Das Endergebnis war wirklich beängstigend: Die Atemzüge der Kreaturen hatten ein Gewicht, das nur von einer großen, wilden Lungenkapazität erzeugt werden konnte!

Darth Vader ist wohl das Nonplusultra in Sachen charaktervoller Atmung. Laut Wikipedia wurde die schwere Atmung von Darth Vader durch die Aufnahme von Ben Burts eigener Atmung in einem alten Dacor-Tauchregler erzeugt. Aber welche anderen berüchtigten Atmer hat es im Film gegeben?”

– tim (Autor bei Music of sound)

The Role of Breaths in Film Sound

Der Sounddesigner Randy Torres (Tenet, Dunkirk) hat sich mit dem Fotografen und Motorradenthusiasten Todd Blubaugh zusammengetan, um drei Harley Davidson Motorräder aus den Jahren 1936, 1950 und 1976 aufzunehmen. Sie arbeiteten mit dem Tontechniker Eric Potter (Ford gegen Ferrari, Interstellar) zusammen, der bereits für preisgekrönte Soundkünstler wie Mark Mangini und Richard King aufgenommen hat. Das Team verbrachte einen der heißesten Tage des Jahres damit, die Motoren aus verschiedenen Blickwinkeln zu filmen, im Leerlauf, mit Auspuff und Reifen und sogar bei speziellen Fahrmanövern, Überholvorgängen und Beschleunigungen.

Die Motorräder, die aufgenommen wurden, sind einzigartig – die Library enthält eine Auswahl von drei sehr unterschiedlichen Vintage Custom American Choppers. Die meisten amerikanischen Motorräder haben einen eigenen Sound, aber diese speziellen Motorräder sind Unikate, die alle ihren eigenen Charakter haben. Es wurde versucht, so viele Manöver wie möglich mit einem großartigen Satz von Onboard-Mehrkanalaufnahmen durchzuführen. Einige Leute werden die Aufnahmen einfach als das genießen, was sie sind, aber sie werden auch in Filmen, Werbespots und Podcasts nützlich sein.

Alle Außenaufnahmen wurden mit einem Neumann RSM 191 sowie einem Scheops CCM4 & CCM8 Mid-Side Array für verschiedene Perspektiven gemacht. Die Aufnahmen an Bord wurden mit DPA4060 Lavalier-Mikrofonen mit einem 4-Kanal-Mehrkanal-Setup gemacht. Alles wurde bei 96K mit einem Sound Devices 788 aufgenommen.

Quelle: https://blog.prosoundeffects.com/recording-vintage-motorcycle-sound-effects-in-the-desert

In diesem Video werden wird ein komplettes DIY-Mikrofon gebaut, das nicht nur eine unglaublich einzigartige Retro-Ästhetik hat, sondern auch komplett eigenständig ist, mit einem eingebauten Shock Mount, einem einstellbaren Boom-Arm-Vorverstärker und einer USB-Typ-C-Schnittstelle. Da es sich um ein DIY-Projekt handelt, bietet es natürlich auch eine erstklassige Klangqualität, die so gut ist, dass es mit professionellen Mikrofonen konkurrieren kann, die buchstäblich 30 Mal so viel kosten.

Die Entwicklung von Mikrofonen ist eher eine Kunst als eine Wissenschaft, weshalb professionelle Modelle oft Tausende von Dollar kosten können und manche noch Jahrzehnte nach ihrem Debüt verehrt werden. Natürlich gibt es auch billige Mikrofone in den Geräten, die wir täglich benutzen, aber ihre Klangqualität lässt zu wünschen übrig, wenn es um etwas anderes als Kommunikation geht. Das liegt zum Teil an den Einschränkungen, die sich aus der Größe ihrer Mikrofonkapseln ergeben, die in der Regel viel kleiner sind als bei professionellen Geräten. Bemerkenswerterweise sind einige dieser großen Kapseln jedoch gar nicht so teuer, und es ist möglich, genau die gleiche Kapsel, die in einem 500-Dollar-Mikrofon steckt, für nur 12 Dollar direkt vom Hersteller zu kaufen, was eine enorme Ersparnis ist, wenn wir das Signal so gut verarbeiten können wie die ursprünglichen Schaltungsleser. Bei dieser Kapsel handelt es sich um eine JLI 25 55, die permanent polarisiert ist, was es ziemlich einfach macht, ein Tonsignal zu erhalten, weil den Bauprozess erheblich vereinfacht, da die Membranen in Mikrofonen dieses Typs einen so schwachen Ausgang haben, dass dieser Ausgang erst verstärkt werden muss, bevor man etwas damit machen kann. Bei vielen kleinen Kapseln wird diese zusätzliche Verstärkung durch einen internen Transistor erreicht, der auf eine Platine auf der Rückseite gelötet ist, aber das viel größere JLI-Mikrofon überlässt es dem Designer, ihn hinzuzufügen, vermutlich um es individuell anzupassen.

Ein weiterer Punktist, die Kapslen vor Störgeräuschen zu schützen. Da das Ziel darin besteht, die Kapsel von Tischgeräuschen zu isolieren, ist ein normales Audiokabel für die Verkabelung dieser Beine nicht geeignet, da selbst dünne Kabel viel zu steif sind und Vibrationen direkt in die Kapsel übertragen werden, die dann sehr gut hörbar werden.

Das Video zur Bauanleitung kann sich hier angeschaut werden:

Quelle: DIY Perks – Building a quality USB-C Microphone

MetaSynth ist ein von U&I Software für das Macintosh-Betriebssystem entwickeltes Sounddesign- und Musikproduktionswerkzeug, mit dem sich aus Bildern Töne erzeugen lassen. Es wurde bei dem Film “The Matrix eingesetzt, ist aber auch auf der Single “Windowlicker” des Elektronikkünstlers “Aphex Twin” zu hören.

Metasynth+Xx ist die neuste Variante, welche auch auf allen gängigen Betriebssystemen läuft.

Das Programm besteht aus einem Bildsynthesizer, Spektrum-Synthesizer, Bildfilter, Effekträumen, Bild-Sequenzer, eigenen Instrumenten, Wavetables, Oszillatoren und Metatrack (Mixing Room).

Das Programm bietet eine riesige Auswahl an Möglichkeiten auf unkonventionelle Art mit Sound zu arbeiten. Es kann mit der Software Sound Design Produziert oder Musik durch Improvisation erzeugt werden. Außerdem ist die visuelle Komponente einzigartig im vergleich zu anderen Software-Plugins welche Teile der Funktionen auch beherrschen.

Anbei ein Beispiel für die Vielfalt des Synthesizers:

Literatur:

MetaSynth + Xx

Die vorliegende Masterarbeit von Svea Laura Benad folgt den Konzepten des “Sonic Branding”, der Einbeziehung von Klang zu Markenzwecken, und der “Corporate Auditory Identity”, die als das auditive Gegenstück einer visuellen Unternehmensidentität verstanden werden kann. Untersucht wurde der Einfluss der Konsistenz von Branding-Strategien und des Einsatzes von visuellen, auditiven und audiovisuellen Elementen auf wünschenswerte Branding-Ziele für neue Marken, wie z.B. Markeninteresse, emotionale Markenbindung und Verbraucherbindung.

Die Gestaltungshöhe war meiner Meinung nach gut, da sehr umfangreich die Literatur behandelt wurde. Es wurde theoretische Gerüst bestand dabei aus Corporate Identity, Sonic Branding, Consistency in Branding Strategies, Brand Interest und Emotional Brand Attachment. Dabei war der Innovationsgrad in der Umsetzung des Experiments meiner Meinung nach auch vorhanden, durch ausgeklügelte Designs für Social Media Anwendungen. Das Thema ist zwar schon oft erforscht, aber noch immer aktuell.

Das Experiment wurde für meinen Erkenntnisstand Selbstständig erarbeitet, es ist keine Hilfe von außen direkt erkennbar. Die Gliederung und Struktur sind für mich nachvollziehbar und strukturiert. Das Einzige was mir fehlt ist ein Inhaltsverzeichnis. Die Autoren erklärt das Themengebiet sehr gut und geht auf viel Literatur ein. Der Umfang der Arbeit ist meiner Einschätzung nach ausreichend für eine Masterarbeit mit über 60 Seiten und einem Werkstück.

Sonst wurde die Arbeit ausreichen dokumentiert und es wurde sorgfältig und genau gearbeitet. Die Literatur ist am Ende zu finden und es sind ausreichen Quellen verwendet worden.

Literatur:

Benad, S. L. (2016). The Effectiveness of Sound in Corporate Branding. Masterthesis. University of Amsterdam. Amsterdam.

ANIMA PEPSI wurde als Live-Mischung aus neun Tonbändern konzipiert, mit demselben Verteilungsschema wie Pepsibird. Während es bei Pepsibird in erster Linie um “innere” Räume neuronaler Aktivität ging, ist Anima Pepsi eine Mischung aus Feldaufnahmen “äußerer” Tier- und Insektengeräusche, einschließlich einiger Insektengeräusche, die zu Tudors Lieblingsgeräuschen wurden und in Kompositionen späterer Jahre wieder auftauchen.

Dazu gehört eine Aufnahme von Moskitos in einem Glas, die Tudor selbst in Osaka aufgenommen hat, sowie “Fliege auf Fliegenpapier”, “Wespe kauend” und “Käfer gehend”. Eine Aufnahme menschlicher Geräusche, einschließlich Pfeifen, war ebenfalls Teil der Tiermischung, die in Tudors Beschreibung als “lustiges Tonband” bezeichnet wird. (Tudor 1970)

PEPSI PAVILION war ein von E.A.T. für die Expo ’70 in Osaka Japan entworfener und programmierter Pavillon.

Tudor arbeitete eng mit Gordon Mumma und Fred Waldhuer zusammen, um ein einzigartiges 37-Kanal-Soundsystem mit automatischer und vom Künstler gesteuerter Klangmodifikation und -verteilung zu entwickeln.

PEPSCILLATOR war ein Werk, das David Tudor speziell für den Pepsi-Pavillon schuf und bei dem Ketten von Audioprozessoren eingesetzt wurden, die mehrere selbstschwingende Rückkopplungsschleifen erzeugten.

Im folgenden ist der Score von David Todors ‘Pepscillator’ zu sehen:

Quellen:

composers-inside-electronics.net/dtudor/legacy/pepscillator
/pepscillator_score
/pavillion

In diesem Artikel von Inken Carstensen-Egwuom (2011) geht es darum, wie sich Afrikaner aus Subsahara-Afrika in Chemnitz als Musiker präsentieren. Es wird untersucht, welchen Zweck die Musik- und Tanzdarbietungen aus Subsahara-Afrika sowohl für die Mehrheitsgesellschaft als auch für die Einwanderer als Einzelpersonen und als Gemeinschaft erfüllen. Ihre Analyse zeigt, wie die Netzwerke oder Vereinigungen von Einwanderern mit den Erwartungen und Zuschreibungen von “Authentizität” in einer Kleinstadt zusammenhängen.

Wenn eine Person oder eine Gruppe nicht von anderen in der Gesellschaft abhängig ist, ist eine kontinuierliche Selbstdarstellung nicht notwendig. Aber in Wettbewerbssituationen, sei es wegen Finanzen, öffentlicher Anerkennung oder privater Bestätigung, besteht ein erhöhter Bedarf an Selbstdarstellung, und diese Darstellung wird von sozialen Normen geleitet (Holly, 2010).

Je schwächer die Machtposition der betreffenden Person oder Gruppe ist, desto mehr muss sie sich den Erwartungen der Gesellschaft anpassen. Auf diese Weise wird das stereotype Bild des “geborenen afrikanischen Musikers” gestärkt und die in diesem Artikel diskutierten Widerstände gegen dieses Bild bleiben mehr oder weniger verborgen.  

Inken Carstensen-Egwuom (2011) zeigt, dass Musik- und Tanzaufführungen in hohem Maße vom lokalen Kontext und von lokalen wie globalen Machtstrukturen abhängig sind.  

Die Musik- und Tanzdarbietungen verändern ihren Sinn und Zweck, wenn sie von Migranten im Kontext ihrer Ankunft genutzt werden: In diesem Fall helfen Musik und Tanz den Mitgliedern des nigerianischen Vereins, sich in die lokale interkulturelle Szene zu integrieren und sich den Erwartungen der Mehrheitsgesellschaft anzupassen.

Diese Integration erfolgt jedoch nicht in der Weise, dass sie nicht mehr als Ausländer erkennbar sind. Um sich zu integrieren und ein anerkannter Teil der Stadtbevölkerung zu werden, zelebrieren sie vielmehr ihre Fremdheit und verstärken sie sogar noch, indem sie sie aufführen: In diesem Fall nutzten sie eine afrikanische Musik- und Tanzaufführung, den Ajegule-Tanz, der die Einheit inmitten der ethnischen Vielfalt in seinem Herkunftskontext feiert. Im Rahmen des interkulturellen Festivals verändert er sich, um das Anderssein, das Afrikanischsein der Darsteller zu betonen.

Die Musik- und Tanzdarbietungen ermöglichen es den nigerianischen Vereinsmitgliedern, als “öffentliche Fremde” (Glick Schiller, et al., 2004) zu agieren und die Ausländer als kulturell anders als die Deutschen darzustellen. Kulturelle Differenz wird so zu einem wichtigen Aspekt der Eingliederung.

Literatur:

Carstensen-Egwuom, I. (2011). Representing an „Authentic Ethnis Identity”: Experiences of Sub-Saharan African Musicians in an Eastern German City. Music &. Arts in Action. Vol 3/3 Bremen

Glick Schiller, N. and A. Caglar. (2009) “Towards a comparative theory of locality in migrationstudies: Migrant incorporation and city scale”. Journal of Ethnic and Migration Studies, 2: 177–202.

Holly, W. (2010) “Politische kommunikation – Perspektiven der medienlinguistik. Am beispieleines selbstdarstellungsvideos von guido westerwelle“. In C. Dürscheid, and K.S. Roth (eds), Wahl der Wörter – Wahl der Waffen? Sprache und Politikin der Schweiz. Bremen: Hempen.